Primeira Necessidade

2010-11-26T10:01:00.000-08:00

As atribuições da Creative Commons são as seguintes:

Você tem a liberdade de:

Compartilhar — copiar, distribuir e transmitir a obra.

Sob as seguintes condições:

Atribuição — Você deve creditar a obra da forma especificada pelo autor ou licenciante (mas não de maneira que sugira que estes concedem qualquer aval a você ou ao seu uso da obra).

Uso não-comercial — Você não pode usar esta obra para fins comerciais.

Vedada a criação de obras derivadas — Você não pode alterar, transformar ou criar em cima desta obra.

Ficando claro que:

Renúncia — Qualquer das condições acima pode ser renunciada se você obtiver permissão do titular dos direitos autorais.

Domínio Público — Onde a obra ou qualquer de seus elementos estiver em domínio público sob o direito aplicável, esta condição não é, de maneira alguma, afetada pela licença.

Outros Direitos — Os seguintes direitos não são, de maneira alguma, afetados pela licença:

-Limitações e exceções aos direitos autorais ou quaisquer usos livres aplicáveis;

-Os direitos morais do autor;

-Direitos que outras pessoas podem ter sobre a obra ou sobre a utilização da obra, tais como direitos de imagem ou privacidade.

Aviso — Para qualquer reutilização ou distribuição, você deve deixar claro a terceiros os termos da licença a que se encontra submetida esta obra. A melhor maneira de fazer isso é com um link para esta página.

Me and Mrs Creative Commons

2010-11-24T14:26:00.000-08:00

A Creative Commons é uma licença que garante os direitos autorais de quem publica uma obra, mas sem apelar pra exploração de ninguém, baseando-se na livre troca de informações.
Na prática, aquilo que vc produz é seu por direito, e deve ser sempre referenciado quando for utilizado. Mas ninguém tem porquê pagar mundos e fundos para poder ter acesso a este material, que é basicamente o que acontece hoje. É bastante difundida na internet, garantindo o prestígio de quem fez e permitindo que todos usem, reproduzam e multipliquem.
A NAU é uma Revista Eletrônica sobre a Residência Socialt, uma atividade do Mestrado Profissional realizada no âmbito da Gestão Social, um setor da Administração- que por acaso é onde estagio. Lançamos a revista na semana passada, com um artigo meu publicado (!), e ela apresenta bastantes soluções práticas sobre esse universo.
Pra começar, o fato de ser eletrônica representa uma enorme economia na sua produção. Permite também uma amplitude maior da informação veiculada. Ao invés de depender de ser encontrada por um curioso numa prateleira de uma biblioteca específica, gente do mundo inteiro pode encontrá-la num site de busca, desde que esteja procurando por temas afins.
A licença Creative Commons permite que quem quiser usá-la tem livre direito para isso, desde que respeite o direito de referenciar as pessoas que escreveram nela. Quem escreveu não ganha nada por isso, mas ajuda a disseminar o conhecimento por aí. E há de se convir: quase ninguém hoje no Brasil ganha nada com direitos autorais de escrita. O melhor mesmo é fazer a coisa circular e pensar na potencialização disso no cultivo do saber.
Para os interessados na área de Gestão Social, ou pra quem quiser dar uma olhada no que escrevi, ou por qualquer outro motivo, o link abaixo:

http://www.periodicos.adm.ufba.br/index.php/rs

Lixo eletrônico

2010-11-22T11:15:00.000-08:00

Quem quiser que pense que lixo eletrônico é apenas aquele monte de spam comercial que recebemos por email e que se acumulam direto na nossa lixeira virtual. O avanço desenfreado da tecnologia traz (mais!) uma nova problematização para se lidar, que é o que se fazer com o acúmulo de material fisico. O hardware que envelhece, quebra, e é trocado por um equipamento mais novo- que em breve envelhecerá, quebrará e será trocado por um equipamento mais novo ainda...
Já vemos por aí, nos cantos dos laborátórios de informática, máquinas velhas e encostadas que vão se acumulando com o passar do tempo. É preciso pensar o que fazer com essa sucata, pois muito em breve isto consistirá num problema igual ao dos lixões convencionais, que trazem um grande prejuízo ao meio ambiente, agredindo a natureza e agregando um enorme problema social ao seu redor.
Talvez a reciclagem seja uma boa alternativa para se trabalhar com isso. Mas para tal, é preciso se pensar mais sobre a questão, discutir- levar à público.
Trago abaixo uma reportagem especial veiculada pela Globo, sobre a problemática do Lixo Eletrônico. Vale a pena conferir:

De olho-de-vidro, com cara de mau

2010-11-08T14:41:00.000-08:00

Uma garrafa de rum, um tapa-olho, uma perna-pau, uma bandana ou um gancho afiado. A simples caracterização servia antes para definir um pirata: criaturas horrendas que viviam fora da lei, saqueando portos e cidades e desonrando mocinhas.
A contemporaneidade terminou por ressiginificar o termo. Devido a questões histórico-sócio-político-culturais, os piratas já não andam mais por aí em grandes caravelas com velas negras, tocando o terror. Mas surge uma nova classe de pirata, aqueles que roubam os direitos alheios de venda, pegando o dinheiro para si com a venda de filmes, músicas, programas e outras coisas.
A mídia se ocupou de marginalizá-los largamente. Afinal, associados à ilegalidade, a pirataria pode estar á serviço do tráfico e da violência.
Para além dessas questões de direitos de autoria e pirataria maldosa, precisamos pensar nas questões de compartilhamento de bens culturais. É mesmo preciso se cobrar quantias absurdas pela criação intelectual de outrem? A disseminação desse material não permite um acesso maior à obra, incentivando a cultura por aí?
Essas questões precisam ser repensadas. Baixar música ou filme, xerocar livros é algo tão errado como baixar uma bolsa? Acho que temos direito à cultura e à informação. Sem tapa-olhos e pernas-de-pau, os piratas estão por todos os lados de Havaianas e Ray-Ban. E ao invés do papagaio, Os abutres, que são mesmo as indústrias do sistema.

Dos direitos do autor

2010-11-03T15:35:00.000-07:00

Pensamento se vende? Quanto vale um quilo de atividade intelectual?
Essa é mais uma questão polêmica que nasce da explosão das redes de comunicação. Bruno Magrani, no artigo "Função social do direito de autor: análise crítica e alternativas conciliatórias" do livro 'Além das Redes de Colaboração- internet, diversidade cultural e tecnologias do poder' evoca a história do Brasil para nos introduzir ao tema. Segundo ele, Dom Pedro II já falava da problemátca de compartilhamento do que um indivíduo pensa, que este não pode ser visto como propriedade privada. Afinal, para ele, fruto intelectual não seria "não é suscetível de apropriação exclusiva".
Anos passados e a questão permanece com mais força: Qual o valor de uma criação intelectual, seja ela música, filme, teoria ou qualquer outra coisa?
É fato que isso merece ser valorizado, creditado e contemplado. O valor de uma obra intelectual não deve ser diminuído em relação ao de uma material, que não possua dilemas morais à respeito da sua venda, como uma poltrona, por exemplo.
A grande questão em voga é o excesso de proteção a essas obras, dificultando o acesso e tornando (no caso do Brasil) até mesmo os consumidores que desejam compartilhar esse material com próximos em pequenos criminosos!
No nosso país, a lei protege e garante que um autor e seus descendentes gozem por 70 anos dos privilégios e reverberações dos direitos das suas obras. Terminado isso, esta cai em domínio público, podendo ser usada abertamente para releituras, utilização em outras obras, livres análises, etc. O problema é que num mundo inconstante e intenso como o que vivemos, em que as mudanças pipocam aos nossos olhos nos tornando seres eternamente insatisfeitos e sedentos por mais e mais informações, esperar 70 anos é uma eternidade impossível e irreal.
É com a proibição que a ilegalidade surge e a pirataria ganha força (que deverei tratar mais adiante por aqui). O autor faz uma grande explanação sobre as leis que regem essa questão, tornando o processo passível de uma dura discussão. Ele ainda aquela propaganda estúpida veiculada em cinemas e discos de dvds, que associam o consumo de filmes copiados ao roubo de bolsas e carros- algo inaceitável por serem "campanhas (que) levam o cidadão a erro, deseducam sobre o direito e ainda podem consistir em abuso de direito ou desrespeito a normas de direito do consumidor."
É preciso se pensar no direito autoral como um sistema amplo de invcentivo à produção intelectual artística, em que são garantidos não só os direitos individuais do autor, como também os interesses da sociedade. Deve-se levar essa discussão a público, fundamentá-la, repensá-la. Para talvez, quem sabe, encontrar um sistema de equilíbrio entre esses dois direitos de gozar certo privilégio.

Poeminha de SMS

2010-10-21T12:06:00.000-07:00

tá boa?

toda boa e vc?

tô de boi, tô de boua.

Questões para serem pensadas sobre inclusão digital:

2010-10-13T15:34:00.000-07:00

1) por que incluir?

2) o que significa incluir?

3) para que telecentros?

Depois a gente resolve essa questão...

Mapas das desigualdades digitais no Brasil

2010-10-13T14:58:00.000-07:00

Os Mapas das desigualdades digitais no Brasil é um documento que se propõe a compilar informações a respeito, de como o próprio nome diz, das questões de desigualdade (focando na questão do acesso digital) do nosso país.
A grande questão é que, como se pode imaginar, as informações trazidas não são grandes novidades sobre o que já se sabe: a esmagadora maioria que não está incluída no mundo virtual é a de indivíduos oriudos de classes econômicas menos favorecidas, maciçamente descendentes da etnia negra, e provenientes de regiões pouco desenvolvidas do país. Ou seja, as epssoas que tem menos acesso à rede são pobres, pretas e nordestinas. Uma pena que o dado se faça jus ao preconceito histórico que há anos vem segregando hipocritamente as camadas sociais do pais.
Separado por uma série de índices e marcadores que demonstram seriedade na metodificação dos dados, o documento apresenta importantes dados, separando regiões e estados, classes econômicas, etc, o que a concatenar noções e permite se fazer pensar sobre essas condições sociais que assolam o nosso país, pensando numa maneira de reverter esse quadro e tornar a situação mais amena e inclusiva para todos.

A informática na educação.

2010-09-27T15:00:00.001-07:00

Embora quadradinho, o texto de Paloma Epprecht e Machado & Renata Mandelbaum sobre tecnologia e educação traz informações cabais para se entender os novos rumos do movimento educacional no Brasil. O ponto de partida é pensar na necessidade de acompanhar o ritmo da constante mutação que seguem os costumes da humanidade, e o retumbar disso nas áreas do conhecimento: como dialogar com novas mídias, costumes e tecnologias com a transmissão de saber?
Trabalha-se com uma idéia interessante: os recursos de inovação tendem a vir de países com maior déficit de funcionamento do sistema comum- afinal, lugares em que as coisas funcionam de maneira satisfatória não precisam de uma mudança inovadora e signficativa, não é mesmo? Dessa maneira, é mais fácil pensar que O Brasil tem trazido muito mais questões inovadoras no âmbito da educação do que a Finlândia, porradona na área, por exemplo. Entende-se pelo velho chavão do "time que tá ganhando não se mexe..."
Assim, deve-se pensar no advento da internet e das tecnologias midáticas aliados ao contexto da educação- como isso deve ser introduzido e trabalhado de maneira satisfatória na sala de aula, com indivíduos que já nascem inseridos num contexto tecnológico muito mais profundo (e facilitado através disto) do que o que os professores que ensinam, assumindo a importância da tecnologia no cotidiano comum e repensando as noções e relações de aluno e professor, enquanto facilitadores mútuos do processo de aprendizagem.
Na defesa da idéia que discutem, as autoras apresentam o contexto histórico da inserção da informática na escola, com os laborátórios que malmente no auxílio do ensino, relegados à condição de área de recreação ou museus de sucatas trancafiados , evitando o livre acesso. Nas palavras delas "Foram raras as experiências em que a tecnologia foi integrada ao projeto pedagógico da escola e, mesmo assim, elas encontraram resistência por parte de alguns professores."
Hoje, vê-se uma relação maior e intrinsecamente ligada ao uso pedagógico crítico da tecnologia, no sentido de que os indivíduos atrelados ao processo de aquisição de conhecimento são "nativos digitais".
Para quem deseja saber mais sobre o tema, abaixo o link para o texto integral.

http://www.educarede.org.br/educa/index.cfm?pg=internet_e_cia.informatica_principal&id_inf_escola=829

Cibercultura

2010-09-22T14:46:00.000-07:00

O filósofo da comunicação, Pierre Levy, escreveu coisas importantes sobre Cibercultura num livro especialmente voltado para isso.
Para ele, o trabalho que anda sendo tecido na internet é algo valoroso que não deve ser descartado, ne tratado como algo inferior. Lendo o capítulo introdutório do material (que está livremente disponibilizado na própria internet), percebi a necessidade de Levy em defender com unhas e dentes a legitimidade da cultura virtual.
As coisas produzidas através da internet devem ser levadas em conta, e para ele o movimento de repulsa a isso se assemelha com a repulsa o rock n' roll, quando surgiu nos idos da década de 50.
Hoje, é indiscutível o grau de popularidade do ritmo musical, que se popularizou e ganhou inúmeras vertentes. Levy também compara com diferentes graus de popularização de mídias e tecnologias, evocando até Einstein para sedimentar as idéias que defende.
Nisso está contida uma idéia de valorização de uma produção coletiva, que prioriza a velocidade da informação. Trabalha também com a possibilidade real de um novo espaço de comunicação, que potencializa relações econômicas, políticas, culturais e humanas.

De fato, há de se convir que praticamente todos eeses aspectos mudaram de modo satisfatório com o advento da rede mundial de computadores. Com as redes sociais e programas de conversação podemos ampliar e manter as relações humanas com amigos distantes, parentes e até com pessoas de outros países. É perfeitamente possível criar empresas virtuais, sem a burocracia e necessidade de pagar impostos abusivos para se vender na rede; no âmbito político, tornou-se muito mais fácil acompanhar e cobrar uma postura dos candidatos políticos nas eleições.
Há ainda de se perceber os fenômenos recentes acontecidos com os mitos decaídos da mídia brasileira: Xuxa, Galvão Bueno, SandyJúnior entraram em choque com a realidade popular zombando das suas ações patéticas e tendo voz para tal. É a movimentação da cibercultura!
No capítulo introdutório ainda é discutida a questão polêmica do acesso digital, que infelizmente não é para todos e não distribui de maneira uniforme, terminando por ficar concentrada nas mãos de quem tem maior poder aquisitivo. É por conta disso que existem as dicussões sobre inclusão digital, ganhando um olhar esperançoso e confiante a respeito do que se discute e se produz no ambiente de trás das telas de lcd.

Email de Grupo

2010-08-31T18:32:00.000-07:00

Sempre me incomodei com a necessidade constante de criação de novas nomenclaturas para tudo que se pensa por aí. Entendo a necessidade de se criticar e repensar a respeito das problemáticas que surgem, até mesmo em cima do que se tem como um pensamento consolidado, mas temos de convir que o excesso de rebatismos acaba por só melindrar questões, ao invés de realizar alguma mudança factual.

Dia desses recebi no (prolífico e desesperador) e-mail do grupo um textinho sobre o Bullyng. Não costumo comentar nada lá. Mas senti necessidade de fazer um comentariozinho sobre o que a menina falava.

O email:

"Há muito tempo já se sabe que a escola tem sido palco da violência seja ela física ou verbal, material, etc. Hoje em dia, um dos casos que vem sendo freqüente dentro do espaço escolar é a chamada Bullying, em que o aluno (a) é alvo de humilhações, apelidos depreciativos, vítima de agressões físicas etc.

Com aumento do acesso doa alunos à rede de internet e telefones celulares, essas agressões vem tomando outras dimensões.

Caracterizado como Cyberbullying a vítima é agredida com mensagens depreciativas no celular, MSN, Orkut, sofrem também com a montagem de fotos, etc.

O problema é que isso toma uma repercussão muito rápida na rede.

Ao contrário do Bullying tradicional, a vítima não tem idéia de quem seja o agressor, por que este maioria das vezes utiliza um perfil falso, cria conta fictícia de email, etc."

E a resposta:

Prezada:

O bullyng é somente uma nomenclatura usada para se pensar em algo que sempre ocorreu. Não compreende uma nova modalide de discriminação ou coação.
Já seria de se esperar que, com a inserção da tecnologia nas nossas vidas, isso passasse a ser um agravante no trato de tal questão. De um simples xingamento escrito num quadro ou numa porta de banheiro, a uma disseminação mais ofensiva na rede.
Questão complicada e problemática!

att,

Pedro

A educação, a inclusão digital e os possíveis problemas acarretados nisso

2010-08-31T16:56:00.000-07:00

Assistindo esse possível trabalho escolar (classificado na seção "Lixo do Dia" do papelpop) me peguei pensando nas maravilhas da inclusão digital entrando em choque com a infinitude das barreiras internéticas.

Pontos positivos: é bonitinho ver que os adolescentes estão apredendo direitinho o que aprendem em ciências, e bombando na interdisciplinariedade, se esforçando em aprender técnicas de edição de imagens e se esmerando numa paródia plausível entre Bad Romance e o assunto aprendido.

Pontos negativos: é ruim pra caralho, sem-graça de doer e com sucesso que fez é de se esperar que outros acidentes venham por ai, diminuindo ainda mais o senso geral de humor, a noção de engraçado. E no fim, quem sofre somos nós!

Confiram e decidam por vocês mesmos...

O Software Livre

2010-08-30T15:26:00.000-07:00

Causa estranhamento ouvir falar nisso... pelo menos causou em mim, que parto do pressuposto de que na internet, é tudo livre!
Acontece que a coisa não é bem assim. Devemos sempre lembrar todos de que tudo isso aqui que usamos no ambiente virutal é pago. E muuuito caro.
O que acontece é que acontece jutamente o contrário: o ser humano, com seu instinto sabotador logo cedo arranjou meios de fazer com que essa espécie de feira cibernética se quebrasse, dando espaço à pirataria. Pirataria livre, leve e solta, todo mundo usando tudo da forma que se pudesse, do jeito que se pudesse.
Claro que as coisas viriam a ser dificultadas, vírus surgiriam, as regras de segurança das licenças aumentariam... e é aí que o bicho come, afinal ilegalidade é ilegalidade!
É nesse contexto de liberação que surge a filosofia do Software livre. Uma oportunidade de liberar a rede pra todo mundo, sem cobranças excessivas. Nele, não existe essa história de uso indevido: é de graça, é acessível e traz uma infinidade de benefícios no seu uso.
Já existem questões de governo que discutem a propagação da prática no Brasil, aumentando o número de usuários, fazendo desenrolar uma grande rede de gente envolvida com a tecnologia. E como se suspeita, é bem do que precisamos hoje! Gente conectada, envolvida, internética.
"Software livre é uma questão de liberdade e não de preço (...) a liberdade de executar o programa para qualquer propósito"
O mais interessante é que se prega o livre uso, seja para qual for o itneresse do usuário, contrariando as lendas antigas e chateadas que a gente só deve usar as coisas pra fins sérios e de trabalho. A liberdade está contida ainda na configuração do programa, havendo uma abertura para que o material seja moldado, atendendo às necessidades do usuário para qualquer que seja a sua atividade, aperfeiçoando-o.
Para sanar dúvidas, aguçar a curiosidade e saber mais, acessa aí a cartilha do Software Livre. Não se preocupe! Esse download é totalmente legal, pirataria permitda. E logo no começo do material, eles informam que o próprio documento foi escrito e editado com os próprios programas do Software... metalinguagem pura!

Download no 4shared: http://www.4shared.com/document/oAjlLQ-J/ImpressaoDaCartilhaA4.html

Atire a primeira pedra

2009-03-14T12:14:00.000-07:00

Nelson Rodrigues só escrevia putaria? Em meados da proximidade do fim do ano passado, me peguei pensando nisso, depois de um balanço superficial da cena teatral baiana. Baseadas na sua obra e essência eram quatro em cartaz (aqui e aqui- esqueçamos que uma terceira existiu, por caridade. Tratarei da quarta aqui), num período próximo de tempo, cada uma com uma abordagem estética e dramática diferente, mas que remetiam ao mesmo universo- o da perversão sexual.
Conversando sobre o assunto com uma professora, ela me falou sobre a fama que cada um faz, a repercussão de determinadas obras e a fortuna crítica que vem como conseqüência disso. Nelson Rodrigues possui uma obra vastíssima, inclusive como cronista esportivo. Mas o que faz sucesso mesmo é o seu foco na dramaturgia e na obscuridade das relações humanas, que deixa a impressão de putão pervertido.
Atire a primeira pedra (que acabei não conseguindo ver na sua primeira exibição) volta em cartaz, aproveitando-se dessa famigerada aura do autor para contar várias histórias.
Baseada em A vida como ela é (que o Fantástico exibia quando a gente era pequeno e não podia ver porque só tinha...putaria), a montagem se divide em curtos capítulos independentes, entremeados por musicais que fazem uma auto-análise da história narrada, e quase sempre apelando para o pastelão, o que, pelo menos para mim, é o grande diferencial.
Dessa maneira, aparecem os casos clássicos da mulher adúltera, do cunhado pedófilo, do complexo de Édipo, e muitos outros centrados na mesquinhez humana.
Espirituoso. O destaque do espetáculo não está só na transposição das convencionais tragédias para a comédia que tanto agrada a platéia. Até mesmo porque o bom humor inicial vai se esvaindo a cada história, dando lugar à ironia e ao escárnio, num processo de amadurecimento até o seu término. As risadas ainda permanecem em grande quantidade, mas em vez de graça, o absurdo é que se faz risível.
Um enorme, responsável e afinado elenco dá conta dessa artimanha simples e bem estudada. É inteligente, é interessante. Ta recomendado.

Zodíaco

2008-11-11T18:04:00.000-08:00

Um assassino em série é, possivelmente, um indivíduo portador de algum distúrbio mental, que pode matar inúmeras pessoas durante algum período indeterminado. Ele costuma estabelecer um padrão para as suas vítimas e a sua atuação é sempre motivo de medo e inconstância. Uma anomalia social, esse elemento suscita alguns estudos profundos que tentam desvendar questões simples como os fatores que causam o seu desenvolvimento. O Brasil tem os seus casos esporádicos. Mas curiosamente, os Estados Unidos é o local onde há mais recorrência desse fato, o que gera sempre mal-estar no meio público e a efusão dos meios de comunicação. Há quem diga que sejam as causas do progresso desenfreado que se esquece da humanização dos cidadãos, há quem afirme que seja elemento diretamente ligado ao fato da cultura norte-americana estar associada com a violência. A verdade é que a história do país é marcada por tragédias desse tipo, tornando figuras psicologicamente transtornadas em alvos de notoriedade, devido à anormalidade dos seus atos.
Alardeando o imaginário popular, o fenômeno começou a ser retratado nas expressões artísticas de maneira constante, chegando a virar balela cinematográfica nos fins dos anos 90, com a prolífica saga de terrores teens inaugurada por “Pânico” e seus asseclas.
Gênero adorado pela maioria, crucificado por alguns, que dotados de certo moralismo acusam a carnavalização da miséria e sofrimento alheios (com alguma razão, há de se convir), é apropriado lembrar que a arte se pauta na realidade para existir, construindo ou desconstruindo conceitos e teorias, pensamentos que circulam. Assim, os indivíduos vão concebendo o mundo, a si mesmo e os seus próprios discursos.
Discurso considerado como postura, sintoma, signo. Entende-se por signo qualquer representação possuidora de sentido, que contenha um significado. Letras, números, desenhos, símbolos. O zodíaco é um sistema de signos.
E foi assim, valendo-se de códigos e enigmas diversos, que um indivíduo o auto-intitulado Zodíaco, aterrorizou a população norte-americana na década de 70. É desse fato que a arte se reapropria, ao adaptar para o cinema a obra de Robert Graysmith, um sujeito que vivenciou o período de tal maneira, que foi capaz de imprimir os seus reflexos na literatura.
Como todo suspense policial, inicia-se com a apresentação de um dos muitos crimes. Dois jovens escapam das suas casas para um encontro escondido num local deserto. É óbvio que eles irão morrer. A narrativa, para continuar, precisa que a chacina ocorra. Mas é difícil não torcer pelo contrário, se incomodar com o fato das vítimas não saírem dali o mais rápido possível. Talvez por um senso retrógrado de humanidade do espectador, que se importa e se preocupa, mesmo com o inevitável. A dureza com que é mostrada a situação mostra imediatamente o grau da produção. Outro elemento a ser observado é a predominância de cores frias, dando sempre um tom seco, objetivo e pouco afável às seqüências, assim como a trilha sonora incidental, composta nos moldes setentistas, o que dá uma certa sensação nostálgica de desolamento.
Com roteiro e edição ágeis num primeiro momento, a problemática é apresentada: o assassino se pronuncia, enviando para os jornais uma carta juntamente com um conjunto de códigos e a exigência de ser publicado de imediato por eles, ameaçando cometer mais crimes, se contrariado. Para isso, David Fincher (por simpatia pela temática já cuidada em Seven) apóia-se num responsável elenco de figuras já conhecidas pelo carisma e experiência nas telas para narrar essa história.
Autoficcionalizado, Graysmith (Jake Gyllehaal) trabalha como cartunista de um dos jornais, que alia a sua paixão por enigmas à fixação ao ocorrido e ao medo de ver a sua família em perigo. Reproduzindo o clichê do bom rapaz, deixa-se tomar inteiramente pela sua investigação particular, o que o faz perder as referências afetivas. Mesmo terna, a sua relação com a esposa (Chloë Sevigny, musa contemporânea de filmes legais, pontuando a sua presença num papel propositalmente secundário) se mostra seca e pouco próxima, o que lhe custa algum sacrifício posteriormente. Se junta com o seu colega Paul Avery (Robert Downey Jr., sempre performático), um reconhecido jornalista interessado nos louros do sucesso e ao inspetor David Toschi (Mark Rufallo), um workhaholic pelas circunstâncias. Ao contrário de Robert, Avery e Toschi, são envolvidos por motivos profissionais. Mas é uma causa que vai tomando corpo e se tornando progressivamente pessoal.
O filme foge do esquemão crime-perseguição-crime. Isso é retratado sim, com bastante clareza e desenvoltura, causando os naturais e corriqueiros incômodos estimulados pelas cenas explícitas de assassinato. Dessa forma, o serial killer e as suas vítimas cruelmente abatidas não importam tanto quanto as relações de similitude criadas pelos protagonistas. Pela conveniência, eles se articulam e se desdobram a fim de resolver o mistério.
A atmosfera pesada e de suspense é mantida não apenas na crueza das seqüências de morte, mas principalmente nos jogos de busca, no cansaço mental a que as personagens são envolvidas.
O tempo é um elemento importante no filme. Atuando de maneira quase frenética, pontuando as passagens importantes, é interessante observar as relações de causa e efeito decorrentes. A degradação progressiva das personagens centrais, o frisson gerado na população. Numa das passagens mais dinâmicas, a metalinguagem transborda ao mostrar Toschi incomodado ao ver no cinema um suspense intitulado Scorpio, baseado nas suas investigações. Logo em seguida, Graysmith, dando continuidade à sua saga particular, conversa com Avery sobre a possibilidade de lançar um livro relacionado com a mesma temática, transpondo para a literatura as evidências por eles descobertas na investigação. Esse livro seria publicado, viraria best-seller e anos depois seria adaptado em Hollywood, com Jake Gyllenhaal encabeçando o elenco. Curioso e divertido ver como a ficção se representa nela própria.
A produção conta com uma reconstituição primorosa, que começa a empolgar desde os créditos que a Paramount usava na época e se mostra competente ao utilizar uma boa trilha sonora e um figurino apropriado pela sobriedade (se considerarmos a histeria da disco music naturalmente retratada como característica única do período). Utiliza-se também de efeitos especiais para mostrar as metrópoles norte-americanas em seus processos de expansão, mas ainda muito diferentes do que são hoje.
Inteligente e engenhoso, além de transbordar competência técnica, Zodíaco se mostra um interessante retrato sobre os limites humanos em frente ao caos gerado por uma mente obsessiva. Para isso, vale-se de um discurso intrincado, ágil e às vezes confuso. E se discurso é postura e é signo, nada mais adequado do que algo assim, cheio de significados, para tratar dos códigos sistemáticos do próprio e assustador Zodíaco.

Vicky Cristina Barcelona

2008-11-04T17:21:00.001-08:00

Haja adjetivos para Vicky Cristina Barcelona. O cenário, as locações e a fotografia são um desbunde, assim como a trilha sonora é legal. O diretor Woody Allen, confirma o seu posto de ícone contemporâneo, contando uma história empolgante, divertida e bem articulada. E o elenco... Puta que pariu! A beleza, o talento e a suculência de nomes como Scarlett Johansson (mais uma vez com ele, para reafirmar o posto de nova musa), Penélope Cruz (maravilhosa), Javier Bardem (ótimo, mas acabadinho de rosto, convenhamos) e Rebecca Hall (ilustre e lindamente desconhecida. E haja parênteses.), são envolvidos numa narrativa que toca no cerne da alma feminina, revelando características comuns a esse elemento nas diversas e plurais personagens que se apresentam.
Contado como uma crônica que desvenda o cotidiano dos envolvidos pautando-se na decorrência dos fatos do presente, pouco se aprofundando no passado, somos apresentados à Vicky e Cristina, duas jovens turistas americanas passeando em Barcelona. Motivadas por diferentes condições, a jornada serve como instrumento de mudança para ambas, mesmo que não seja exatamente essa a motivação.
Vicky, que em breve irá se casar organiza os estudos e a auto-preparação para o desejado matrimônio, enquanto Cristina procura algo ou alguém que a faça mudar suas percepções, que a retire do marasmo e acabe com a sua insatisfação constante. Quase uma Ema Bovary contemporânea, sem drama, sem choro, sem marido e sem corpete.
Utilizando-se de uma didática e irônica narrativa em off (que pode incomodar e não se fazer entender pelos mais abobalhados), o filme acompanha a história das moças. É quando conhecem Juan Antonio (Bardem), um artista plástico sedutor e deveras sincero, que as enreda com seu charme.
É necessária uma aberviação para não deixar todo o enredo escapar, já que a graça da narrativa está justamente no seu desenrolar, na interação dos elementos pela high society espanhola.
Mas vale pontuar ainda a presença fulminante de Penélope Cruz, como Maria Elena, a ex-mulher, pintora e sociopata que se atrela ao conjunto, no ponto máximo do filme. Vale a pena.

Labirintos

2008-09-05T10:13:00.000-07:00

Por mais cafona que soe chamar a Grécia de “Berço da civilização ocidental”, essa sempre parecerá mesmo a alcunha mais apropriada ao perceber-se o grau de influência desta nas culturas atuais (por mais que não pareça tanto assim). E não é à toa quando vemos algumas centenas de púberos espinhentos matando-se sobre os seus materiais didáticos, dispostos a aprender não só a cultura, mas as estruturas sociais, políticas, os mitos e as lendas- todas aquelas coisas dos deuses do Olimpo, etc, etc.
Curiosamente bem articuladas, divertidas e intrigantes, essas histórias gregas que serviam para ensinar valores e conter de alguma forma o pensamento e o comportamento do povo, são há milênios recontadas oral e literariamente.
Estudar uma estrutura social toda pautada em contos fantásticos e histórias maravilhosas é algo que aguça a imaginação de qualquer um. Dessa forma, é entendível o porquê que isso se reflete ainda hoje de maneira expressiva na arte.
Assim, o Vila Velha presenteia a cena baiana com Labirintos, uma adaptação áfrico-baianizada (ainda qe seja em menor escala do que as outras montagens de praxe da casa) do mito do Minotauro. E que cena!
A saga do herói Teseu (que não é loiro e luta capoeira) para honrar o seu pai e salvar o povo ateniense de uma dívida cruel com Creta é recontada de forma inovadora e empolgante.
Pressupondo-se que o público conhece a história, o espetáculo é guiado valorizando, sobretudo a estética. A grande surpresa é fazer o público passear pelas estruturas do teatro, aproveitando-se da sua arquitetura intricada para causar a sensação claustrofóbica do Labirinto. Na bilheteria mesmo a coisa começa.
No entanto, a intinerância desconcentra o público ainda pouco acostumado com inovações plásticas. Difícil também foi manter a concentração com a dúzia cada-vez-mais-prolífica de fotógrafos profissionais e suas câmaras histéricas, interessados em capturar cada segundo das belas sequências criadas pelo espetáculo.
Mas voltemos ao enredo. Teseu entra no labirinto, uma gigantesca prisão sem saída que abriga o Minotauro, besta metade humana, metade touro que periodicamente come jovens de Atena, destinados por uma dívida antiga. Apaixona-se por Ariadne, a louca (e suculenta) filha do rei rival. Tomada de amor, a moça, que esbanja sexualidade (assim como todas as outras figuras femininas do elenco) ensina-lhe um método engenhoso de como conseguir escapar da prisão. “Siga o fio”.
Paralelamente, é contada a história de Dédalo, o arquiteto arrependido, preso na sua própria criação e o seu filho Ícaro, um dos mais bonitos mitos gregos, a metáfora para o sonho, a inocência e a insensatez humana.
A narrativa segue marcando cenas importantes para situar o espectador na história. Algumas delas chegam a ser inacreditáveis, considerando-se o tamanho da beleza e da megalomania do projeto. Aliada a isso, uma iluminação responsável e uma trilha sonora envolvente, composta por batuques africanos e melodias européias. Apesar da encantadora boa-elaboração, o fim soa um tanto artificial e pouco convincente. Porém isso é algo perfeitamente compreensível, já que se fossem mesmo retratar toda a saga do Herói, terminariam gloriosamente a peça na Ladeira da Barra.

Dois dias em Paris

2008-08-07T17:01:00.000-07:00

Multitalento. É assim que se pode definir o perfil de Julie Delpy. A sua já reconhecida carreira como atriz e cantora (num único cdzinho lindo que merece ser ouvido por todo mundo) é turbinada agora pelo peso da direção, produção, roteiro e mais uma vez atuação e trilha sonora de Dois dias em paris.
Carismática antes tudo, ela despontou jovem na França, sendo logo importada para os EUA, onde consolidou uma carreira cheia de altos e baixos. Em 95 encarnou Celine, formando um dos casais mais bonitos da história do cinema contemporâneo, juntamente com Ethan Hawke em Antes do Amanhecer, de Richard Linklater. Em 2004, o trio reencontrou-se na sequência, a qual Delpy e Hawke trabalharam também como co-roteiristas. A balada dos amantes que se reencontram deu tão certo que concorreu ao Oscar de melhor roteiro original (perdendo para Brilho eterno de uma mente sem lembranças) e a experiência foi provavelmente um dos pontos decisivos de estímulo para Julie se lançar na carreira (vale frisar que essa é a sua segunda experiência como diretora).
Lendo-se a sinopse de Dois dias em paris, a impressão que se tem é a de um desdobramento das parcerias com Linklater. Um casal de férias na Europa decide dar um pulo em Paris para que ele, americanófilo esquisito, conheça a família dela, francesa e liberal. A estadia conturbada é palco para diversas discussões de relacionamento e confrontos constantes entre eles.
No entanto, a semelhança pára no esqueleto do enredo. Os rumos da narrativa são diferentes e a forma de se fazer é outra, mais convencional. O humor sempre presente se aproveita das batidíssimas situações de conflito étnico entre franceses e estadunidenses, proliferando daí diversas piadas. Mas a falta de originalidade que pode incomodar no início, é trocada pela afeição e interesse do espectador pela envolvente e simplória história que guia a dupla, possuidora de uma sintonia interessante. Marion e Jack, que parecem estar sempre brigando, vão guiando a relação com uma sinceridade assustadora. Mas o que se descobre é que nem tudo é tão sincero assim.
Os ciúmes, a incapacidade de lidar com o passado do outro e a dificuldade com adaptação dos costumes são elementos colocados à prova, causando inúmeras situações cômicas e tocantes também. A experiência da encarregada faz-tudo transcende o eixo técnico da produção, provando que há bastante também das experiências humanas dela na essência do trabalho. Experiências essas que embora sejam comuns a todos os seres humanos em idade sexual ativa (você certamente identificar-se-á com a fala final da personagem no fim do filme) demonstram uma enorme capacidade de captação e transposição de sentimentos. Julie é sensibilidade pura.

p.s.: Daniel Bruhl, de Adeus Lênin e Edukators faz uma pontinha inspiradíssima. Só queria ressaltar mesmo.

Hair

2008-07-15T21:52:00.000-07:00

“Quando a lua estiver na 17ª casa
E Júpiter se alinhar com Marte
Então a paz guiará os planetas
E o amor comandará as estrelas
Esse é o amanhecer da era de Aquário
A era de Aquário
Aquário!
Aquariooooo!”
O clamor pelo desapego e pelo amor livre eternizado nas canções fazem de Hair um documento valioso à respeito do movimento hippie, por se tratar de uma obra feita no mesmo período de toda a coisa.
A primeira vez que assisti ao musical, estava na terceira série, antes de uma festança de fim de ano promovida pela escola. Professora prendendo na sala crianças em polvorosa. Resultados catastróficos na hora da apreciação. Sem falar do peso que faz a falta de maturidade aos 9 anos de idade.
Mas o tempo resolve tudo. Me permiti revisitar o clássico e depois de tanto tempo foi alegrante mudar de opinião. Hair é uma graça.
Essencial no cânone de qualquer haribô contemporâneo, o filme conta a história de um grupo de hippies que influencia com seus valores de paz e liberdade um rapaz pacato do interior, que visita a metrópole à caminho do exército, prestes a viajar para lutar na guerra do Vietnã.
Propaganda convicta anti-belicista, é curioso ver algo pertencente ao próprio sistema (lembremos se tratar de um produto da indústria cinematográfica americana), polemizar tantos elementos.
O grande trunfo do filme é apresentar personagens heterogêneas, redondas e até mesmo algumas possuidoras de falhas de caráter. No grupo, figuram as “escórias da sociedade”- a mulher grávida e solteira, despreocupada com a paternidade da criança; o negro Black power, que mais tarde revelar-se-á como um abandonador de lar; o gay (que embora negue em determinado momento na sua fala, mantém todas as ferramentas- sem querer aqui fazer qualquer tipo de piadinha), entre outros. Curioso é notar que o líder do grupo é um macho, branco e forte. E que num grupo que presa pela liberdade e igualdade, haja alguém definindo as regras e os rumos, que desempenhe o papel do “esperto”, o condutor. Seriam as alfinetadas do próprio sistema?
Seguindo uma linearidade de fatos, o rapaz apaixona-se por uma moça aristocrata, os hippies ajudam-no a conhecê-la, até que os seus dias de liberdade chegam ao fim e ele finalmente entra para o exército, cedendo às pressões sociais. Mas a história ainda continua, quando eles decidem reencontrá-lo no acampamento das forças armadas.
Claro que tudo isso regado por muitas, muitas musiquinhas alegres (algumas cansativas, ok) e inúmeras Coreôs no melhor estilo Haribô-70. A alma de toda uma década lá, retratada ainda por todo exagero do figurino- e os maravilhosos cabelos, claro. Grande foi a minha surpresa ao ver uma das melhores canções de Nina Simone (se não, A Melhor- Ain’t Got No/I Got Life), sampleada e adaptada ao enredo, sendo cantada por mais de uma vez. Brilhante e divertido.
A era de Aquário, pelo visto, não deu as caras. E sabe deus por onde andam hoje as ideologias de toda uma geração. Mas rever Hair traz um pouco de frescor e leveza à forma de como encarar as coisas. Vale a pena, ta no balaio das Americanas.

Hors de prix

2008-07-08T09:58:00.000-07:00

É reconfortante ver um bom retorno às origens. É bom ver Audrey Tautou afirmar a sua ligação com o cinema francês depois da sua aventurinha americana com Tom Hanks escovadinho em O Código daVinci. É tranqüilizante uma coisa dessa.
Ainda que seja numa produção levinha e despretensiosa, é boa a sensação de ver alguém não se perder na indústria do entretenimento por puro dinheiro. E por mais descompromissada que seja, o passatempo é garantido.
Abordando o curioso e deveras explorado universo dos trambiqueiros e golpistas, o filme narra a história de um garçom (Gad Elmaleh, feinho) que engana uma mulher interesseira (Audrey miudinha, magrelinha, fazendo a gostosona- mas com muito potencial) ao ser confundido por ela com um homem bem sucedido em férias no hotel.
Bombasticamente assustador pelo clichê inicial do enredo, é alegrante ver a história se desenrolar vertiginosamente, fugindo dos lugares-comuns das comédias românticas-de-capa-cor-de-rosa: logo a verdade entre eles é descoberta, passam por situações sofríveis e logo formam uma cooperativa de apoio mútuo.
A simplicidade do filme impede uma divagação muito grande ao seu respeito, voltando ao velho “se contar, estraga”. A dupla possui uma sintonia interessante e os momentos de riso- sua proposta principal- são constantes. Horroroso mesmo é o título nacional, incrivelmente cafona ("Amar... não tem preço"). Mas meter o pau nisso é uma prática famigerada que não adianta nada. Só alimenta a raiva.
Bom mesmo é ver a simplicidade arrebatadora de Tautou que desde 2001 carrega o glorioso estigma de Amelie Poulain (impossível dissociar o nome à obra), adquirindo um batalhão de admiradores do seu competente trabalho. Juntando o útil ao agradável, Hors de Prix dá uma super conta do recado.

Um Beijo Roubado

2008-07-03T07:05:00.000-07:00

Puta que pariu, que filme lindo.
E por mais tendenciosa que esta opinião possa parecer, não é bem assim.
Ouvindo pareceres controversos e alguns bem estapafúrdios, abri o coração e fui ver despido de todo e qualquer pré-conceito, esperando qualquer coisa. A surpresa foi das melhores.
Réu confesso da obra de Wong Kar Wai, me arrisco a dizer que seja ele uma das coisas mais legais da atualidade- e um dos que mais sabem retratar o amor e todas as suas dores na tela. Talvez o melhor. Diretor chinês de longa data iniciou-se na década de 80, mantendo uma produção intensa e significativa durante os anos 90, quando passou a fazer sucesso em território não asiático. Mas foi a partir de 2001 que ganhou notoriedade, ao ganhar algumas indicações e levar um prêmio técnico. Amor à flor da pele conta a sensível história de dois amantes presos pelas convenções sociais de uma Hong Kong secentista. As histórias de Kar Wai são permeadas por amores trágicos, oprimidos. Dramas recheados de lirismo e poesia. Crueza não é o seu forte.
Assim, como a maioria dos profissionais de cinema que se destacam pelo mundo, dá agora o ar da sua graça em Hollywood. E é por isso que Um Beijo Roubado divide tantas opiniões. A sua aventura no cinema estadunidense mantém o lirismo, a poesia, a sensibilidade. Mas não foca na tragédia das personagens- por mais que todas elas sejam compostas por histórias sofridas, a atenção não está voltada para lá.
Uma mulher desiludida com o relacionamento que termina entra num bar para deixar as chaves de casa. Trava então, um diálogo com o dono do estabelecimento, onde desenvolvem uma relação afetuosa e dúbia. Mas antes de se deixar envolver, ela decide deixar a cidade e viajar pelo país, encarando uma jornada solitária para se libertar do passado. Nesse climinha de Road movie, ela vai conhecendo personagens singulares, que vão passam pela sua vida, marcando-a.
Um elenco magnífico de estrelas competentes é reunido para apoiar Norah Jones, na sua estréia fofa como protagonista. Jude Law se despe da estonteante beleza cinematográfica habitual, para encarnar um dono de bar verossímil, bonito e com alguma simplicidade. Rachel Weisz aparece como uma femme fatale decadente, ex-mulher de um alcoólatra amargurado (David Strathairn). Ainda há também participação de Natalie Portman, gloriosa, fabulosa, maravilhosa e cansativamente bem adjetivada para a eternidade por quem vos escreve. Assumo e afirmo a tietagem tendenciosa e quase-vulgar aqui.
O filme todo possui uma deliciosa atmosfera de madrugada, bem conhecida por insones assumidos. A fotografia abusa das cores quentes e de ângulos inusitados, capturando grande parte das cenas atrás de vidros e vitrines, expondo as histórias e dores (por mais que não seja esse o tema, insisto) das personagens. É tudo lindo e dá uma vontade absurda de rever. Wong Kar Wai acertou mais uma vez. E ele arrasa!

Batata

2008-05-13T19:56:00.000-07:00

A Batata precisa ser digerida, para ser compreendida. O processo de digestão depende de quem a come, claro. Há quem consiga digerir cada pedaço, simultaneamente à sua digestão. Há quem precise de um tempo, para que a ficha caia, e as coisas comecem a fazer sentido, como o meu caso. Há quem não goste do gosto. Esse não digerirá nunca.
Assim é o mais recente espetáculo do Dimenti (que já saiu de cartaz há algumas semanas, mas só agora consigo dar o meu parecer).
Baseando-se na essência da obra de Nelson Rodrigues, os escritores Adelice Souza, Cláudia Barral, Elísio Lopes Jr., Fábio Rios, Kátia Borges e Paula Lice (que integra o grupo e assume duas vezes o comando de autora) foram recrutados para a criação de pequenos monólogos inspirados na atmosfera peculiar do dramaturgo. A proposta é abordar idéia de confissão. Cada um ao seu jeito, ao seu modo. Alguns bons, alguns chatos mesmo.
Dessa forma, é natural que os maiores tabus da sociedade surjam para abordagem: perversões sexuais, incesto, homossexualidade velada, assassinato, intriga, preconceito étnico, vício.
Batata contraria a “normal” e esperada maneira de organização de uma montagem composta por várias histórias diferentes. E é aí que a digestão acontece de diferente forma para cada um. Os atores se revezam (ou não) no palco, encarregados de uma história em particular, em meio a uma aparente desorganização, que confunde mesmo o espectador mais desavisado.
Surpreendendo os olhos dos velhos apreciadores familiarizados com a estética do grupo, a montagem inova por apelar menos para o humor, uma das características obrigatórias do Dimenti, priorizando o drama natural dos textos e a morbidez da aura que Rodrigues, de certa forma construiu. Oportunidade excelente dos atores de exercitarem outra vertente dos seus trabalhos. Necessário também citar a excelente sacada dos créditos iniciais mostrados no início da peça, em meio a uma tocante música ao vivo.
Mas nem tudo consegue ser decifrado. Há uma série de signos e metáforas que funcionam contextualizados na peça, como os copos plásticos e os band-aids nos rostos deles - talvez uma extrapolação extrapolada e deveras abstrata dê conta de tentar explicar. E talvez não queiram mesmo dizer absolutamente nada, seja pura brincadeira do diretor com o seu elenco, como forma de provocar o público e analistas mais exaltados. Afinal, quem falou que no teatro contemporâneo as coisas precisam fazer sentido?

Sonhando Acordado

2008-05-04T17:21:00.000-07:00

Michel Gondry é um dos principais colaboradores de Bjork em com seus clipes geniais (não discuto aqui a sua música). Ele é também conhecido por dirigir alguns clipes interessantíssimos de artistas como Beck, Kylie Minogue, Chemical Brothers e Rolling Stones, além de diversos comerciais para a televisão. A sua marca é o uso constante de efeitos especiais lúdicos e extremamente bem-feitos, animando a narrativa.
Estreou na direção cinematográfica em 2001 com o ótimo, mas pouco visto e mal compreendido A natureza quase humana, que marcou também a estréia de Charlie Kauffman como roteirista de cinema.
Em 2004 a dupla repetiu a parceria, consagrando-se com Brilho eterno de uma mente sem lembranças.
Gondry então, ganhou destaque suficiente para arriscar-se mais uma vez no cinema, desta vez sozinho, com Sonhando Acordado.
Estrelado por Gael Garcia Bernal (inspiradíssimo), é um filme fofinho sobre as encucações (detesto essa palavra, mas não consegui pensar em outra. Aceito sugestões!) da mente humana. Mas talvez falte um argumento mãos forte ao seu enredo, talvez Gondry seja apenas um diretor fodão, sem muita proficiência na produção do texto sem si.
Brincando novamente com as articulações do inexplorado cérebro e das emoções provocadas por ele, Gael vive Stephan, um homem lunático (também me faltou uma palavra melhor), que perde o limite entre a fronteira da realidade e do sonho. O seu cotidiano influencia no que sonha, assim como o que sonho influencia no que vive. Ao se envolver com a vizinha (Charlotte Gainsbourg- cada vez mais notada, bonita, talentosinha, filha de Jane Birkin e Serge Gainsbourg, e ainda cantora!), as suas perturbações passam a afetá-lo de verdade, transformando-se numa espécie de Dom Casmurro. Um Bentinho repaginado, sensibilizado e lindo.
Apesar da certa fraqueza de essência, Sonhando Acordado tem um tom onírico constante e nonsense, tratado com agilidade, suavidade, encanto e bom humor, sem falar dos aspectos técnicos competentes, embora a câmera de mão canse um pouco, mas acabe dando um tom mais real ao filme. É Michel Gondry em processo de amadurecimento.

assista ao trailer do filme:

e uns trabalhos legais do rapaz:
(com os Rolling Stones)

(com Kylie Minogue)

(com Bjork)

(O botão de comentários sumiu? Está com uita vontade de falar sobre esse post? Fala no post abaixo, que eu leio da mesma maneira!)

XXY

2008-04-17T19:38:00.000-07:00

“Sabe o que é bom de ouvir música na rua? É que parece que todo mundo está ouvindo junto com você.”
Seria inesperado de ouvir uma frase singela dessa num filme de tema tão delicado como XXY. E de fato, é. Falar da condição do hermafrodita hoje é uma tarefa complicada, que requer alguns cuidados. Mas há uma suavidade ao retratar toda densidade requerida para ele. É um drama, sim. Mas há delicadeza.
É realmente difícil encontrar um roteiro bem construído hoje. Vêem-se muitas problemáticas fáceis, muitas soluções manjadas e o pior: reviravoltas que não reviram nada. Quando se fala em cinema sobre a diversidade sexual (o normalmente- e discutivelmente- chamado de Cinema Gay), a situação é ainda mais complicada, já que a maioria das obras normalmente apela para o lugar-comum do dramão da aceitação. O filme em questão vai de encontro a tudo isso.
Cinema Latino-Americano da melhor qualidade, XXY (referência aos cromossomos masculinos e femininos, que determinam o sexo do indivíduo- o resenhista é leigo no assunto e já esqueceu da biologia escolar, perdoem-no a insuficiência da qualidade da informação) surpreende pela riqueza da substância. A história é linear e a fotografia simplória, o que empolga mesmo são as surpresas do roteiro.
Pais de uma criança hermafrodita decidem que ela cresça, para que possa fazer a sua própria escolha na maturidade, livrando-a assim do trauma da cirurgia de “normalização”. Porém, vão condicionando esse ser a uma escolha específica, em meio a uma comunidade atrasada e longínqua no Uruguai. A hospedagem de uma outra família no seio familiar deste ser altera a ordem e o rumo das coisas.
O curioso é que a história brinca com inúmeras pistas falsas, suscitando no espectador inúmeras indagações e julgamentos equivocados. Assim, o ritmo não se perde. As revelações e descobertas vão sendo feitas no seu decorrer.
Ricardo Darín, ator argentino que ganhou destaque aqui pela sua filmografia leve e majoritariamente romântica, se sai muito bem variando de abordagem e esquecendo do seu estigma de gostosão latino (o que nunca foi verdade), encabeçando um elenco forte e de atuações viscerais. E não há como não citar a intensidade da desconhecida Inés Efron, que brilha de maneira única.

Adaptação

2008-04-02T18:28:00.000-07:00

É foda. Não dá para manter o nível na hora de falar sobre Adaptação: a porra do filme é uma das coisas mais legais que os EUA produziram nos últimos anos.
Também, não dá para se esperar menos de um quadro tão incrível de envolvidos: Nicolas Cage e Meryl Streep (!!) prota e antagonizando, pontinhas de Maggie Gyllenhaal, Tilda Swinton e Catherine Keener (que apenas sorri- hilária), Spike Jonze na direção (de Quero ser John Malkovich) e roteiro de Charlie Kaufman- a mente pop mais brilhante do cinema de lá (corram para as locadoras: ele também escreveu Quero ser John Malkovich, Brilho eterno de uma mente sem lembranças, A Natureza quase humana e Confissões de uma mente perigosa).
Adaptação é uma explosão metalingüística das mais empolgantes. No filme, o próprio Charlie se coloca como protagonista (o que soa deveras egocêntrico, numa análise menos passional), atormentado por um dilema: o que escrever quando se é visto como um roteirista brilhante e original? O que fazer depois que todo mundo cultua a sua obra anterior?
Sexualmente frustrado, em constantes conflitos com o seu irmão gêmeo (Cages-Kaufmans-Cages. A essa altura o espectador já não tem muita noção do que pode ser ficção, ou realidade) e encarregado de adaptar o best-seller de Susan, uma jornalista famosa, o filme narra o quão doloroso pode ser esse processo, valendo-se da linguagem para dar constantes alfinetadas na própria indústria cinematográfica. Paralelo a isso, vê-se a própria história da construção do livro de Susan, e o seu tórrido envolvimento com o grosseiro John Laroche, um amoral contrabandista de flores.
Entender-lhe-ei, leitor, se não tiver entendido nada dessa efusiva resenha até agora. Mas não me julgue (nem pelo nível de abstração, nem pela mesóclise. Adoro! :D). Consulte outro alguém que tenha assistido ao filme e note o quanto é difícil para ele definir a sinopse de Adaptação. Mesmo que tenha odiado.
É uma intensa profusão de quebra de barreiras pré-determinadas. Uma prova de que não há limites para o roteiro e personagens. A abstração, a “loucura” é a sua graça maior.
Porém, isso não quer dizer que seja um filme difícil e denso (talvez). O humor é a sua chave, que perto do fim, adota para si algumas características e clichês do cinemão norte-americano. Uma brincadeira do próprio Kaufman com a sua classe. Ainda há, pra terminar o deleite, uma trilha sonora super fofa (Happy Together- The Turtles). É assistir pra confirmar. Vale a pena, caralho!

De Madrugada

2008-03-15T11:29:00.000-07:00

Quando a madrugada chega, as opções de entretenimento soteropolitano vão se extinguindo. É um show que acaba, é um bar que fecha, é outro bar que fecha... Até o completo nada. No verão, as coisas costumam ser esticadas, em virtude da quantidade maciça de turistas-com-a-cara-aberta encantados com a hospitalidade sexual baiana. Mas isso é fato e todo mundo já cansou de discutir.
O drama começa é quando se mora longe e está cansado de passar a noite num cantinho gentilmente cedido pelo amigo gente-boa que o acompanha. Saciada a sede por cultura e/ou entretenimento, o jeito é assumir a responsabilidade do ato, meter as caras e voltar fatigado pra casa, cortando a noite escura.
É nesse contexto que surge o transporte clandestino. Numa besta, topic, kombi, towner ou qualquer outro carro de médio porte, volto espremidinho para casa juntamente com os trabalhadores da madrugada, cansados das duras jornadas, claro que sempre entregues à pressa desesperada do motorista e à ignorância peculiar e talvez necessária do cobrador-segurança.
Quando se mora mais longe ainda, é necessário tomar dois desses transportes. E se o primeiro é obscuro, o segundo é mais ainda.
Mas é necessária uma explicação geográfica da área a ser tratada:
Itapuã está localizado em uma das pontas de Salvador, chega a ter um farol de merecimento. É uma zona tão grande, que possui diversas sub-áreas. Algumas são muito phynnas, como a região do próprio farol, a Praia do Flamengo e a maior parte de Piatã. Outras, nem tanto, como a Nova Brasília, o Abaeté (e suas milhões de sub-sub-zonas criativamente batizadas), o Km 17 e o famoso Alto do Coqueirinho, a localidade em questão.
Ponto forte no tráfico de entorpecentes ilícitos, não é dos lugares mais tranqüilos de se morar. A coisa fica mais gritante ainda quando se descobre que há uma ligação direta com o Bairro da Paz (a materialização de uma das mais famosas figuras de linguagem que a gramática já normatizou- a ironia), e que vez ou outra um corpinho furado à bala, cortado a facão, ou chamuscadinho de fogo, aparece por essa banda. Por isso é importante garantir a segurança e pegar o segundo transporte.
Largado no portal do bairro, no meio das ratazanas que passeiam sorrateiramente, tem de se dirigir ao “terminal” dos “carrinhos” e solicitar o serviço. Serviço esse que só sai quando mais três ou quatro andantes noturnos aparecem requisitando o mesmo, já que ninguém vai se desprender para fazer o percurso pelo meu mísero 1,50 R$.
Mas nessa noite não era necessário. Nessa noite ela estava lá. A madrugada era dela. Ao orelhão, berrava, ironicamente. “Poooooooode voltar, sem póblemas, volte pra ela, volte pra cuidar da sua exxxpoooosa, vá. Sem póblêmas. Eu chego cansada do trabalho, uma hora dessa e você não está aqui?”
Ele tinha saído do ponto para fazer um outro serviço qualquer. Chegou. Esperou para que a levasse em casa, depois de dar umazinha, mas o seu macho, o seu corpo viril, não apareceu. Contou as suas amarguras para um colega qualquer, que também dava conta do expediente. Mas ela só o queria. A sua satisfação dependia dele.
O henê envelhecido no cabelo pueril era disfarçado pelo boné branco da Puma. A blusinha de elanca, deixando que as abas do abdome fossem discretamente exibidas, compunha o visual. Mas marcante mesmo era a calcinha vermelha, indecorosamente cavada, sensualmente enviesada, indefinindo as fronteiras entre as costas e o ânus. Sensual sem ser vulgar.
Até que o Uno Branco surgiu pelas ruas desertas. Barulhento e enferrujado, sendo guiado por mãos firmes, adúlteras, que exalavam feromônios. Encurvada ao lado do automóvel, prosseguiu no seu discurso de fêmea magoada e independente. Que fosse embora, que não haveria póblêma. Era um joguete sexual. E eu fui inserido no meio do fogo cruzado.
O caminho era curto. Mas suficiente para uma D.R sem fim. Ela morava no Km 17, eu ia para o Coqueirinho. Caminhos opostos. Ele não estava a fim, queria deixá-la antes, para depois me levar. E foi aí que a coisa começou.
“Não. Você vai levar o menino antes”. “Ráááá se você me deixar lá primeiro eu NÃO SAIO DO CARRO”.
Enquanto a máquina, que sequer possuía meios para manter a sua porta fechada, seguia rangendo uma profusão de sons. Às vezes o vento batia no plástico que servia de proteção para o vidro traseiro, levado embora em alguma provável batida ou confusão, tendo em vista o temperamento forte dos agregados.
O constrangimento era absurdo. Cansado, sozinho, presenciando uma discussão carregada de erotismo -sim, o plano dela era a reconciliação seguida da feitura do ato sexual intenso e proibido, ali dentro mesmo. Era notável.
Ele a entendeu, mas continuou estimulando o joguinho. Dizia que não ia fazer aquilo não, que o caminho correto era o dele. A coisa ficava cada vez mais insuportável, mais alheiamente vergonhosa, mais opressora para a pobre alma que nada tinha a ver com a situação. E eu só imaginava a pobre da esposa pagando de corna em pleno sono R.E.M. Até que chegou no meu ponto, paguei, desci e gentilmente ofereci uma boa noite, que sequer foi retribuído. Mas ah, eu havia chegado em casa. E os minutos que haviam se passado entraram pro top 10 dos 5 minutos mais constrangedores da minha vida.

Fahrenheit 451

2008-03-09T23:27:00.000-07:00

AVISO: contém spoilers. Depois não diga que eu não avisei. (thanks, miog!)

Difícil eleger o que é mais charmoso em Fahrenheit 451. Adaptação cinematográfica de um romance famoso, o filme é um clássico da década de 60 que merece ser conferido por suscitar uma discussão pertinente e viável: e se o direito à leitura fosse vetado?
De cara, a proposta é muito boa. Num futuro repressor, um clima de terror é instaurado por um governo totalitarista (assemelhando-se ao que inspiraria Alan Moore alguns anos depois, nos quadrinhos V de Vingança), que proíbe a população de ler qualquer tipo de livro. Para manter a ordem social intacta, os bombeiros exercem a função de queima das obras literárias que os rebeldes teimam em preservar escondidas. Vive nesse contexto Montag, um bombeiro exemplar, que começa a duvidar dos seus valores quando conhece Clarisse, uma jovem professora.
Instigado pelos ideais da nova amiga e desconfortável com a alienação da esposa desequilibrada e acomodada com a vida fútil da sociedade subserviente (ambas interpretadas por Julie Christie, o que causa uma certa confusão no espectador), Montag passa a se questionar sobre o trabalho que exerce e sobre o conteúdo dos livros. Até que se arrisca a ler o primeiro.
De maneira extremamente evolvente, dá-se então a transformação do protagonista. A sua rebelião contra o sistema, a sua iniciativa desesperada (um heroísmo sem questionamentos morais), que resulta na sua fuga e no encontro com os Homens-Livro, a metáfora mais bonita do filme, carregada de poesia.
A concepção de futuro é muito interessante. Há toda uma preocupação em retratar uma assepsia estética que normalmente se espera (ou se esperava) do futuro, mas que inevitavelmente aparece mesclada ao encanto da década de 60: as cores, os figurinos, os cabelos. Assim como estranha narração dos créditos no início do filme, lembrando a quem assiste que é proibido se ler. Brilhante. Ainda devem ser levadas em consideração as boas atuações e a trilha sonora tensa e angustiante.
Dirigido pelo francês François Truffaut, Fahrenheit 451 (referindo-se à temperatura ideal para um livro entre em chamas imediatamente)é entretenimento garantido com um enredo inteligente que antes de tudo, faz pensar.

Bazar da Vila: compareçam!

2008-03-03T14:32:00.000-08:00

Juno

2008-02-24T13:52:00.000-08:00

Lembra de Nazaré Tedesco e Laura Prudente da Costa? Duas super vilãs que marcaram a dramaturgia brasileira contemporânea. Depois do sucesso delas em suas respectivas novelas, virou uma necessidade febril entre os autores criarem personagens malévolas e implacáveis, mas que ganhassem a simpatia imediata do público. Essa precisão de acertar na fórmula, acaba péssimo, pois o modelo se repete e se desgasta com cada vez mais insistência, torrando a paciência dos menos tolerantes.
O fenômeno se repete na ala da 7a. arte também. Em 2007 a comunidade cinematográfica vibrou com as diversas indicações do oscar para Pequena Miss Sunshine. Um filme pequeno, independente, carismático, cheio de críticas sociais e comportamentais, boas atuações e um certo apelo sentimental. Foi a “Zebra” mais famosa do Oscar. Eis que em 2008 a situação se repete, com todas as atenções se voltando para Juno. O que é inconcebível.
É um filme bom. E lá pelos 20 minutos finais se torna incrivelmente fofinho. Mas é um equívoco considerá-lo excelente a ponto de receber algum prêmio de tanta repercusão.
A história da adolescente grávida à procura de uma solução para o seu problema é interessante, mas se perde na insistente tentativa de referenciar a cultura pop alternativa. Citações de músicas e filmes legais, marcas famosas, objetos emblemáticos e personagens bizarros parecem apenas vazios quando não são bem conduzidos. Mas mais cansativos ainda são os diálogos artificialmente nonsenses que transbordam a narrativa:

“Oi, eu estou ligando atrás de um aborto imediato... Pode esperar um pouco? Estou no meu telefone de hambúrguer!... Agora sim.”

“Quer uma camisinha grátis? São de Amora.”
“Não, não estou fazendo sexo.”
“Meu namorado as usa todas vezes que transamos. A pica dele fica cheirando à torta.”

É fraco. Muito fraco. Mas completamente possível compreender o porquê da sua completa aceitação pelo público. É a febre cool!

Assim como a Miss Sunshine, o universo de Juno é desequilibrado. Como toda boa garota-problema, ela toma remédios controlados, seus pais são separados, vive no opressor mundo da high-school, seu objeto de desejo é um nerd visivelmente anormal. Uma crítica bem comum ao American Way of Life, onde tudo parece estar lindamente no lugar, ruindo desgraçadamente por dentro.

Apesar disso, e da voz rasgadinha-enlouquecedora de Ellen Page (indicada como melhor atriz, mas assemelhando-se à uma comediante de Talk Show americano, pelos excessos), a produção conta com muitos pontos positivos. O roteiro não segue a linha de previsibilidade tão comum por aí, e nem todas a piadas são ruins. Jennifer Garner (horrorosa) aparece muito bem como a candidata pela adoção do bebê e protagoniza o melhor momento, a cena do encontro no shopping, bonita e sensível. A apresentação dos créditos é criativa e bem feita, e a trilha sonora é muito bem articulada(apesar de não ser das mais interessantes, já que exagera no country, ou folk. Funciona no filme, mas é meio chato pra se ouvir depois). Como já citado, Juno vai ganhando contornos mais simpáticos e consegue arrancar do espectador um sorrisinho de entretenimento alcançado. Mas daí a considerar bom a ponto de figurar entre os melhores do ano, é um exagero absurdo.
Que venham as porradas!

O Escafandro e a Borboleta

2008-02-13T19:39:00.000-08:00

Acho incrível quando um filme estrangeiro é indicado para uma categoria comum do Oscar. Não que o Oscar seja importante assim (mas assumo que adoro), mas é ver uma produção de outra nacionalidade ganhar notoriedade suficiente para figurar entre os concorrentes a um prêmio estritamente americano. O caso de O escafandro e a Borboleta é esse.
Baseado na obra homônima de Jean Dominique Bauby, a cinebiografia conta o processo do próprio Jean (editor da revista Elle, até então) de auto-aceitação e superação, depois de sofrer um acidente que o deixou inteiramente imobilizado. Vegetando, as únicas coisas que podia fazer era ouvir e ver. E foi assim que escreveu o seu livro: mexendo a pálpebra esquerda.
Retratando o processo de criação, aliado aos flashbacks e devaneios da personagem, o filme ganha o espectador à medida que avança, com uma história dramática e tocante.
Internado no hospital, ele é obrigado a confrontar-se com o passado de lembranças amargas e com a realidade debilitada. Encontra então, o apoio da equipe médica (não, a ortofonista não é Naomi Watts!) que detecta a sua capácidade de ligação com a realidade e cria um sistema, possibilitando a sua comunicação de maneira curiosa e inteligente.
É preciso ainda ressaltar a eficiência da câmera em primeira pessoa na maior parte do tempo, causando o desconforto necessário para que se entenda a fragilidade da situação da personagem. A narração irônica e desmotivada também é um elemento excelente utilizado em cena.
Apesar disso, nem tudo é drama. Conciliam-se muito bem as diversas nuances do roteiro, abrindo espaço para momentos leves e até mesmo engraçados.
Contando com um elenco coadjuvante de atrizes lindíssimas e uma trilha sonora tocante (mas que peca pela quantidade de músicas em inglês- não aproveitando todo o charme da língua francesa), o Escafandro e a Borboleta (escafandro é aquela roupa pesadíssima de mergulhador, usada no passado para quem não sabe- eu não sabia) é um filme lindo, que sabe fazer emocionar. Homenzinho dourado nele!

Laberintos de Pasiones

2008-02-08T10:12:00.000-08:00

Almodóvar melhora através dos tempos. A sua essência continua a mesma de 25 anos atrás, mas o que se percebe analisando a sua filmografia é a riqueza criativa das produções atuais (ignorando a tecnologia e disponibilidade de recursos).
Feito em 1982, Laberinto de Pasiones é um filme incrível e divertido, que ousa e choca, mas tem pouco a acrescentar.
O título é auto-explicativo. Uma rede de personagens se entrelaça, todos movidos pelo desejo e pela paixão. O príncipe Riza Niro é um homossexual que foge da sua terra para viver libertamente em Madrid. Passa a cantar numa banda de rock e conhece Sexília (Cecíla Roth) (!), uma ninfomaníaca incapaz de sentir algo além do prazer sexual. O improvável acontece, eles se apaixonam e decidem fugir, pois ele passa a ser perseguido por um grupo de islâmicos seqüestradores (sendo um deles Antonio Banderas inacreditavelmente jovenzinho). Ainda há uma quantidade grande de coadjuvantes com as suas próprias histórias, como a ex-rainha má Toraya, a menina da lavanderia, tiete de Sexília, que é aliciada pelo pai esquizofrênico, entre outros.
Absurdo e nonsense, o filme é uma sucessão de bizarrices que chocam o espectador. Fruto da proposta pós-Franquista que marcou o início da carreira de Almodóvar, quando o objetivo em tela era ironizar os modos da sociedade espanhola, que ainda sofria com os reflexos da ditadura que comandou o país durante anos. Laberintos... é podreira pura, mas que vale a pena e ainda tem uma trilha sonora ótima!

O Fabuloso destino de Amélie Poulain

2008-01-27T08:48:00.000-08:00

Quando chegou aos cinemas, em 2001, O Fabuloso destino de Amélie Poulain fez um grande sucesso. Hoje, 7 anos depois, o filme tem um status de neo-clássico garantido por uma legião diversa de fãs que possui algo em comum: o interesse (por mínimo que seja) pela 7ª arte.
Não tem tiros e explosões, nem é um drama daqueles de desesperar qualquer um de angústia. Fala, antes de tudo, do sentimento humano e de algo sensível, mas imperceptível à maiorias dos olhos: os pequenos prazeres e manias de cada um, coisas particulares que todos possuem, mas poucos se atentam.
A história é uma fábula leve e divertida que narra a vida de Amélie Poulain, uma menina que por viver solitária na “companhia” distante do pai, passa a ver o mundo sob um ótica mais fantasiosa, descompromissada da realidade dura e cultiva um interesse pelos pequenos prazeres (uma sacada genial, só pra frisar). Descobre um dia, um pequeno segredo que a destina a uma missão e a partir daí decide disseminar o bem para todos que estão ao seu redor. Até que se envolve numa jornada pessoal em busca do amor que precisa para que a sua vida esteja completa.
A identificação do espectador com as personagens e principalmente com a protagonista, é o elemento-chave que faz o sucesso do filme. A aura onírica da produção combinada com um enredo fértil e bem amarrado encantam por duas horas que passam sem serem sentidas.
Fotografia, atuações, movimentos de câmera e uma trilha sonora feita de valsas singelas e lindas compõem uma sucessão de êxitos, ficando impossível para o resenhista não rasgar seda. Amélie é clássico sim e merece ser visto. Pronto, falei.

Um Corpo que Cai

2008-01-11T20:27:00.000-08:00

Um corpo que cai é considerado obra-prima de Hitchcock. E merece mesmo ser visto assim.
Filmado em 1958, o filme possui um enredo bem articulado e denso, composto por surpresas e reviravoltas. Um policial que sofre de acrofobia (medo de altura) é contratado por um amigo para seguir a sua mulher, atormentada por motivos obscuros.
Ao presenciar uma tentativa de suicídio dela, ele é obrigado a se aproximar, acabam construindo uma relação muito próxima e se apaixonam perdidamente, como todo bom filmão antigo.
A partir disso o espectador é envolvido pela história rica e instigante, que provoca inúmeras indagações sobre os rumos dos protagonistas.
Seria mesmo Madeleine uma figura louca? Ou atormentada pelo encosto da bisavó? Estariam mesmo apaixonados, já que tudo ocorre tão rapidamente? As dúvidas brotam a todo instante, causando um impacto novo a cada revelação.
A agilidade e riqueza do roteiro são enriquecidos pelas boas atuações, trilha sonora tensa, figurino impecável, que acabam confirmando esse status triunfal da produção.
Mas nem tudo é sucesso. Tivesse Kim Novak um maquiador mais competente, seria muito mais crível encarar a moça como uma femme fatale genuína, sem as medonhas sobrancelhas triangulares que destoam do seu rosto bonito (o.k, piadinha idiota, mas necessária. O que é aquilo, minha gente??).
Um real marco na história do cinema, Um corpo que cai chegou a inspirar em 97, a banda Faith no More, que gravou um clipe cheio de referências irônicas à obra: mas apesar de Jennifer Jason Leigh encarnar uma Madeleine Elster mais bonita, o charme não é o mesmo. E a música é ruim.

aí o clipe:

Piqueninque no Front

2008-01-08T08:42:00.000-08:00

A comédia é um artifício interessante para se conquistar a atenção do público. Com boas tiradas, cabe ao realizador o papel de decidir utilizá-la como mero entretenimento ou como instrumento para se discutir algo além.
É nessa segunda linha que Piquenique no Front se encaixa.
Na Guerra, um soldado inferior vive enfadado com a sua rotina inerte e perigosa no campo de batalha. Até que inesperadamente surgem os seus pais, saudosos da sua companhia, para realizar um piquenique lá mesmo. No desenrolar, aparece um soldado inimigo e tão perdido quanto o outro, que acaba rendido e entrando na reunião.
A história absurda, aparentemente ingênua e bem-humorada é pretexto para ironizar os horrores da guerra e o efeito dela na moral humana, a bestificação do povo perante as atrocidades que ocorrem por motivos que não lhes são particulares.
As piadas, embora soem inocentes algumas vezes, se mostram eficazes e convincentes ao defender esse ponto de vista, assim como o tom exageradamente teatral de alguns atores, que no início causa estranhamento, mas é apenas mais um fator ridicularizante do contexto.
O maior trunfo da peça é a curta duração. Se fosse maior, talvez não obtivesse o mesmo rendimento, já que o tema abordado (a guerra, e não a situação) apesar de rico, atravessa as gerações sendo abordado constantemente pelos mais diversos meios da ficção (eufemismo pra “batido”). Sendo assim, Piquenique no Front conquista por sua agilidade, graça e principalmente, objetividade.

Hora do Merchan:

Piquenique no Front- Teatro Martim Gonçalves (Escola de Teatro da UFBA)- de 04 a 13 de Janeiro 20h (sáb e dom às 18h e às 20h)ENTRADA FRANCA

Perdas e Danos

2007-12-21T07:15:00.000-08:00

O clube de cinema de férias começou bem: a reunião inaugural (presidida pela digníssima Soraia, que introduziu e conduziu a discussão) foi marcada pela exibição de Perdas e Danos, de 1992.

Perdas e Danos não tem nada de novo; Facilmente reconhecível por um padrão britânico noventista (abordagem de temas, elitismo social, trilha sonora substancialmente incidental e presente, cor, etc etc- talvez uma mera coincidência faça tantos se encaixarem neste “estilo”), possui um enredo simples e envolvente.
Um frio e seco político europeu, líder do parlamento conservador (Jeremy irons, dando um caldo booom), dono de uma família centrada e aparentemente impecável, envolve-se com a namorada do seu filho, uma mulher singular e misteriosa, encarando um romance tórrido e descontrolado.
A grande questão do filme é a condução da história. Não é difícil começar a se importar com a relação das personagens, tratada sem julgamentos moralistas ou romantismo alienado.
Stephen é um homem sem emoções, que de maneira súbita encontra um sentido para a sua vida, passando a precisar disto para continuar vivendo. Anna, (interpretada por Julliete Binoche) é uma femme fatale andrógina e ainda assim, feminilíssima e sensual que ao contrário dele, sempre teve sede de viver, de encarnar emoções e sensações. Mesmo que isso custe a dignidade ou até a vida alheia.
As cenas de sexo, selvagem e intensamente bem feitas, quebram a estética fria do filme, mas a trilha sonora didática (hora do susto!; hora do tédio!; hora da putaria!) irrita um pouco.
Baseado no romance de Josephine Hart, Perdas e Danos se mostra um exercício cinematográfico interessante.

Janela Indiscreta

2007-12-17T19:24:00.000-08:00

Um fotógrafo sofre um acidente e é obrigado a ficar durante semanas preso a uma cadeira de rodas, dentro do seu apartamento. O ócio misturado à incontrolável curiosidade inerente ao ser humano, numa época em que não existia celular, velox e SKY, o faz voltar a sua atenção para os apartamentos alheios, observar a vida da vizinhança como meio de entretenimento.
Ao observar atitudes suspeitas de um vizinho, começa a acreditar num possível atentado cometido por este contra a sua mulher. Aliado à sua namorada (Grace Kelly, maravilhosa) e a uma enfermeira, começa a investigar obsessivamente o caso, pondo em risco a sua integridade moral.
É inegável dizer que Janela Indiscreta seja um clássico. Dirigido por Alfred Hitchcock, o filme já inspirou algumas refilmagens e homenagens no cinema atual. A forma moderada de se dosar o suspense (como confirmar que seja mesmo?), o humor presente na trama simples, porém envolvente e eloqüente, enchem os olhos.
A grandeza do cenário, os movimentos de câmera curiosos e necessários, as boas atuações e a beleza de Grace Kelly (!) são aspectos encantadores que não podem deixar de serem abordados.
Ágil e inteligente, Janela Indiscreta confirma o seu posto como referência cinematográfica, ao tratar de maneira firme a questão da emancipação feminina sem pieguices, num período machista da sociedade americana.

O poste, a mulher e o bambu

2007-12-12T20:57:00.000-08:00

O poste a mulher e o bambu (uma homenagem à piada de Silvio Santos, para que os mais perdidos como eu, se situem), é um conjunto de referências da obra de Nelson Rodrigues, que tem a sua carreira marcada por uma literatura crua e sexualmente intensa.
Concebida pelos desconstrutores pós-graduados do Dimenti (ok, já cansei de falar deles, não?), é entretenimento puro. Formada por esquetes que não possuem muito sentido entre si, além de se basearem livremente na essência do autor, pode desagradar e assustar, já que fica difícil encontrar um fio condutor de sentido nas seqüências apresentadas.
Mas desapegando-se de valores estéticos e de necessidade de noção (o que pode ser difícil), curtir a peça em toda a sua plenitude é um exercício prazeroso. Não são poucos os momentos hilários, recheados de piadas infames e situações constrangedoras.
Talvez, alguns minutos a mais faria bem a peça. Pelo menos para o público, ávido por mais um bom momento - a última, dos times, é imperdível. Mas não esqueçamos também do monólogo Acid Vagina e do Talk Show.
Porém, se falar mais estraga. O interessante é conferir a estranheza de perto.

Nesta data querida

2007-11-30T20:59:00.000-08:00

Quem nunca preparou uma festinha de aniversário tradicional (e sordidamente brega)? Quem nunca se preocupou com as bebidinhas, com a quantidade de comida e principalmente, sempre teve medo que ninguém comparecesse?
É inerente ao ser humano. É inerente também a hipocrisia das relações sociais: os abraços, os beijinhos de bochecha, o falar mal depois. É por questões como essa que Nesta data queria se enreda.
Transitando pelo lúdico e [fincando-se] pelo amargo, o espetáculo causa, antes de tudo (talvez de propósito, talvez ao acaso), uma viagem obrigatória do espectador às próprias lembranças.
Quando nem o próprio filho comparece ao festejo organizado por Antonieta, ela recebe a visita de dois recentes conhecidos- completamente estranhos, desconfortáveis. Tão perdidos quanto à anfitriã, iniciam uma relação artificial, em busca de uma comemoração vã, onde procuram suprir desesperadamente as suas carências emocionais (a atuação atravessada, indireta dos atores no palco se dá de maneira brilhante).
O clima lento, mantém a atmosfera opressora, assim como a trilha sonora desgraçadamente cansativa, ironiza e não deixa que a peça permaneça em tom funesto por todo o tempo.
Um produto alternativo de alguns do Dimenti (dirigido por Márcio e estrelado por Fábio Osório Monteiro, Lia Lordelo e Paula Lice), Nesta data querida assusta, alegra, provoca e principalmente, engasga.

O Mochileiro das Galáxias- não saia sem ele.

2007-11-22T19:43:00.000-08:00

Muito além, nos confins inexplorados da região mais brega da borda ocidental desta galáxias, há um planetinha verde azulado absolutamente insignificante cujas formas de vida, descendentes de primatas, são tão extraordinariamente primitivas que ainda acham que relógios digitais são uma grande idéia. Além disso não conhecem O Guia do Mochileiro das Galáxias, um livro que não é da Terra, jamais foi publicado nela e é, provavelmente, o mais extraordinário dos livros publicados pelas grandes editoras da Ursa Menor.

Consultando-se a Calculadora Geradora de Improbabilidades, nada mais apropriado para iniciar este texto do que um plágio-parafraseado da obra a ser tratada. O Guia do Mochileiro das Galáxias é a obra literária mais irreverente, irônica e não ortodoxa que já li.
Descobri o livro numa pequena crítica nas páginas de uma revista. Assim que comprei, consumi em menos de 24 horas. Até que descobri que era o primeiro volume da chamada pelo autor Douglas Adams "Trilogia de quatro livros" (na verdade, cinco) e tive de esperar o relançamento maçante (cerca de um por semestre) da Sextante.

O interesse pelo desconhecido, pelo novo, sempre me motivou. O céu e o espaço, com suas áuras de mistério, me encantavam. Apesar disso, nunca almejei ser astronauta na infância- talvez por saber que a galáxia não é mais tão hype como no Guia do Mochileiro e em Barbarella.

A sexy e devassa militante espacial vivida por Jane Fonda no cinema da década de 70, é contemporânea à obra de Adams. Numa época em que a tecnologia tece a sua explosão consumista, podia-se imaginar mais, interagir com o desconhecido. Mas isso não é sobre Barbarella e a sua absurda, cafona e deliciosa odisséia sexual no espaço. É sobre Arthur Dent e sobre O Guia.

Apesar do que se pode sugerir, O Guia não é um dicionário de verbetes inventados sobre uma possível vida interplanetária. Irreverente e irônico, como já dito narra a história do insosso Arthur Dent a partir do dia em que descobre através do seu amigo E.T ( que viera à Terra como correspondente da maior e mais incrível enciclopédia já publicada) que o planeta será demolido para fins burocráticos. Conseguindo carona numa nave Vogon, eles escapam da destruição e encontram-se com as outras personagens que integram o grupo que fará parte de toda a história. Em meio a muitas reviravoltas, eles terminam seguindo atrás do sentindo da vida, do universo e tudo mais.

Nonsense? Isso é só o começo. Desde a época em que foi lançado, o livro virou referência de cultura pop para toda uma geração. Influenciou inúmeras criações: já foi série de tv, programa de rádio, utilitários de computador (Trillian e Babelfish), música do Radiohead (Paranoid Android, em homenagem ao robô Marvin) e uma fraca adaptação nos cinemas em 2005. Com certeza ainda influencia muita coisa legal, talvez por isso eu goste tanto. E se alguém, algum dia se interessar para ler e fizer alguma idéia da Pergunta Fundamental, que me explique o 42!

Bubble

2007-11-12T18:19:00.000-08:00

Vale a pena assistir a Bubble. O filme se propõe a mostrar uma Tel Aviv diferente dos padrões jornalísticos. Composta por uma juventude israelense que, como em qualquer outro país é influenciada por culturas e valores estrangeiros. Mas isso é mostrado naturalmente, sem ser taxativo ou alienado.
Três amigos vivem uma vida tranqüila num bairro cool, conhecido como A bolha (daí o título). Até que um deles se apaixona por um palestino gay e é reprimido. E daí a história se desenrola com humor e delicadeza.

Refugiado, ele adota uma outra identidade para poder viver o romance, mas esse não é o único ponto de discussão do roteiro, pois inúmeras coisas se sucedem, protagonizadas pelos outros moradores do apartamento (ótimos), que não fazem o filme perder o seu ritmo.
Leve e comprometido no ponto certo, a história é envolvente. O diretor Eytan Foz (de Yossi & Jagger - dos soldados gays que fez algum sucesso no Brasil) acertou na escolha do elenco, que além de possuir ótimas atuações, encontram-se numa sintonia brilhante (com destaque para Lulu, absurdamente linda. E se é pra falar de beleza, destaquemos o Golan, também!!).
Apesar dos sucessivos pontos ganhos por Bubble, a qualidade do filme descamba no final. Um fechamento forçado e piegas soa artificial e traz a tona certos questionamentos: (PODE CONTER SPOILERS)
- O Oriente Médio é realmente um campo de guerra?
- Por mais fofos que possam parecer os palestinos, no dia em que acordarem de mau-humor eles foderão com as nossas vidas??? (FIM DO PROVÁVEL SPOILER)
Ainda assim, é uma produção que merece ser apreciada. Faz rir, pensar e se emocionar, além de ser uma opção muito mais produtiva do que as comédias estúpidas de Ben Stiller-sempre-à-beira-de-um-ataque-de-nervos.

Chá de Cogumelo

2007-11-11T21:04:00.000-08:00

Desconstruir as fábulas Dysneicas não é idéia das mais frescas (lembrando dos milhões que a DreamWorks já catou com a febre de Shrek - a referência mais recente), mas de que importa? A diversão é assegurada e ainda assim, pode-se ser muito original.
O grupo teatral Dimenti fechou com sucesso o Festival Nacional de Teatro na Bahia, com a montagem "Chá de Cogumelos", que faz isso mesmo: desconstrói da maneira mais irreverente os contos infantis. Dessa forma, através de sucessivas doses de "chá de Cogú", a peça é marcada por momentos protagonizados por personagens absurdas: uma Chapeuzinho Vermelho lasciva, uma Maria fria e calculista, uma Bruxa quilombola, uma Rapunzel assassina, uma Fada sapatão, seguidas de uma série de outras figuras incrivelmente toscas e caristmáticas, que florescem na trama aparentemente desconexa, mas que ganha um sentido no final.
Através desses seres com personalidades desvirtuadas de valores éticos ou morais (ou excessivamente morais, libertários etc), vão sendo feitas críticas sutis e muito convenientes ao modelo de pensamento social atual.
Os atores se revezam nos inúmeros papéis, mesclam música e dança ao processo de criação (característica do grupo), tornando o onírico mundo dos seres encantados um universo mais alucinado ainda, cheio de referências de cultura pop e de cultura descartável.
Pra quem não viu, resta esperar as comemorações de 10 anos da companhia, já que prometem um 2008 de comemorações intensas. Pra quem quer ver logo, em dezembro eles ficam em cartaz no Teatro Gamboa (que com fé em Deus deve ter aproveitado o crediário da Ricardo Eletro e comprado, ao menos, um ventiladorzinho da Mallory), com uma outra montagem.
E lembrem-se: “soldado morto, farda noutro, pô!”

O Mentiroso

2007-11-07T19:35:00.000-08:00

O Mentiroso é uma adaptação de um texto italiano escrito há 250 anos atrás. Na época em que foi concebido, os valores eram outros, assim como os anseios da sociedade e era normal escrever tudo como comédia. Mas precisava mesmo chegar ao palco baiano tão bobinho?
Montado pelo Curso Livre de Teatro da UFBA, a peça parece ser essencialmente televisiva. Os que ocupam a posição de protagonistas são bonitos e fofinhos, enquanto os coadjuvantes são os não tão fofinhos assim. O humor é uma coisa meio Didi encontra Sai de Baixo.
No melhor (!) estilo novela das 6, o enredo gira em torno de casamentos e galanteios entre a alta sociedade. Lélio dos Humildes se aproveita dos feitos alheios para roubar o coração das virgens ricas. Nesse embalo, acaba se apaixonando verdadeiramente, enquanto se enrola cada vez mais nas suas próprias mentiras. Nesse contexto, brotam as personagens secundárias: o fiel Arlequim, seu pai, o futuro sogro, o amigo-rival...
O cenário é simplório por demais, assim como a trilha sonora e a iluminação, o que diminui muito as chances de se ter ao menos um verdadeiro espetáculo técnico. Sobra então um roteiro burocrático e previsível, com piadinhas famigeradas, difíceis de engolir, além de ser recheado de atuações insossas (com exceção da Colombina, a única a aproveitar os bons momentos da sua personagem). Bom pra dormir.

Casa de ferro

2007-11-05T20:33:00.000-08:00

Ainda me lembro da cena de uma novela ruim, de quando eu era pequeno: Babaloo e Raí (maravilhosamente canastrões) iam para o teatro. Ao chegar lá, tinham as suas roupas arrancadas pelos atores e eram carregados para o meio do palco, nus. Desesperados, conseguiam fugir e eram obrigados a usar vestes feitas com jornal dobrado para enfrentar a odisséia de chegarem em casa vivos. Ao fazer o passeio, o casal, um tanto popular, não sabia uma coisa: era teatro experimental.
Ainda aproveitando a febre artística da cidade, fui conferir A casa de Ferro, que integra o quadro do Festival nacional de teatro na Bahia.
Não, eu não tive as minhas roupas rasgadas, nem fui levado ao palco. Mas o sentimento de panaca foi o mesmo.
O monólogo é sobre os dramas da escravidão (UAU) no Brasil e os efeitos gerados por ela. Metade em ioruba, metade em grito, metade em choro. Vestido numa tanguinha fio-dental, o ator deu show de Ioga, com direito a banho de lama, água, farinha de trigo. Uma meleira.
Antes que me crucifiquem como tapado, aviso que não tenho nada contra espetáculos experimentais; desde que sejam experimentados com parentes e amigos dos envolvidos, antes de qualquer coisa.
Some-se isso a uma apreciação num teatro apertado e com o ar condicionado desligado. Transgressão público-enredo?? Câmara de tortura?? Problemas técnicos?? Tanto faz, foi o suficiente para se deixar um espectador irado.

O Sapato do meu tio

2007-11-05T05:53:00.000-08:00

(Manú Dias, eu não te conheço. Mas tendo eu encontrado apenas essa foto de qualidade para ilustrar o meu post, e observando lá no outro blog que os créditos iam pra você, achei de bom caráter creditar aqui também. Então:)
-foto de Manú Dias. :D

A primeira edição do Festival nacional de Teatro na Bahia começou bem de público (que lotou a sala principal do TCA para prestigiar), e de espetáculo: O Sapato do meu tio é uma coisa linda.
Dona de algum sucesso em Salvador no ano passado, a peça tem um enredo simples - de cidade em cidade, pelas estradas, um palhaço segue a vida, levando a sua arte para os lugarejos distantes. Junto a ele, acompanha o seu sobrinho, um ajudante e aprendiz do ofício vítima da rudez natural do seu tutor, mas que mesmo assim, transborda uma infantilidade graciosa.
O grande trunfo do espetáculo é a sua total falta de diálogos. A história é contada através dos atos das personagens e da música de picadeiro, que mantém constantemente a aura de circo no ar.
Nessa homenagem sincera e comovente ao teatro mambembe, o que surpreende é a sintonia da dupla, assim como o seu preparo com as artes circenses. O humor característico soa por muitas vezes, bobo e inocente - e justamente por isso é tão lindo.

Apesar disso, o recurso do datashow inserido no teatro é interessante, mas imensamente delicado: é legal ver créditos, passagens ou detalhes a mais que dão base para o desenvolvimento do espetáculo; porém desconcentra ver a marca do dvd e os comandos de ação do aparelho (play/pause). Quebra o ritmo, o envolvimento com a coisa.
Talvez, a grande duração da peça (contrariando as expectativas de quem espera algo compacto, por ser mudo), tenha assustado o público, que por inúmeras vezes aplaudiu, considerando o seu fim (não cito aqui as cenas impagáveis de humor, e sim o que parecia ter acabado mesmo). No entanto, a leveza que encanta a alma só deixa em todo público, as melhores lembranças de duas horas de lirismo puro.

Viva o povo brasileiro

2007-10-20T17:07:00.000-07:00

Adaptar Viva o povo brasileiro é uma tarefa ousada- o volumoso romance de João Ubaldo Ribeiro é referência literária na Bahia, já que há anos é indicado para o vestibular da UFBA. Além dessa responsabilidade de passar pelo crivo de “fidelidade” de todos, são centenas de páginas com uma história riquíssima em detalhes.
Fugindo da forma convencional de se contar um épico, a montagem (que está em cartaz gratuitamente na escola de teatro da própria UFBA) se aproveita da ironia do livro e investe no bom humor para narrar a saga do Caboco Capiroba, Perilo Ambrósio, Maria da Fé e tantos outros.
No entanto, falta frescor à peça. O bom rendimento no humor, não convence nas alternâncias para o drama. Os cânticos e danças africanos soam forçados e pouco comoventes. O que parecem ser também ótimas sacadas também não soam tão originais assim (como não associar o canto falado de Ogum aos diálogos de Sonhos de uma noite de verão, ou o “esquecer de falar” das personagens, visto há tão pouco no Auto da Gamela e até mesmo o hino nacional ao ritmo de I Will Survive não é tão novo assim).
O cenário é simples, mas muito bem elaborado. O elemento mais interessante da obra escrita, o Poleiro das Almas é retratado e bem usado como pano de fundo. O revezamento dos atores para o volumoso número de personagens que se sucedem também é bem feito.
No fim, a ousadia (que deve ser valorizada) da produção paga um preço caro: três horas de espetáculo fatigam o espectador e não dão conta de toda a pluralidade da narrativa. O final é antecipado (o que arranca suspiros aliviados dos mais desesperados), deixando no ar a impressão de que falta alguma coisa. Mas é uma excelente opção de fixação do conteúdo, para os pré-vestibulandos que não são poucos, nessa terra das poucas oportunidades.

The Notorious Bettie Page

2007-10-20T15:51:00.000-07:00

Cinebiografias já chegam a ser um gênero específico do cinema atual. Humanizar figuras imortalizadas, contar suas alegrias e principalmente os seus dramas são um atrativo fácil de apelo popular. Para se inovar surge então o desafio: quem retratar? Qual vida mais provida de bafões para se ganhar um troco?

A HBO foi esperta e em 2005, lançou uma singela, discreta e simpática obra para a televisão americana: The Notorious Bettie Page, sobre a vida da pin up mais famosa e icônica que já existiu, a própria Bettie Page.Sem se propor a discutir criticamente temas obscuros, como a repressão e a perversão sexual, o filme pauta-se exclusivamente em Bettie, que ganhava a vida tirando fotografias sensuais na década de 50, um época em que sexo era o maior tabu da sociedade estadunidense, e o material pornográfico “o meio de comunicação mais crítico de satã”, era proibido e discriminado.

Moça pobre do interior, era abusada pelo pai na adolescência, mudou-se para a metrópole atrás de um sonho, viveu relacionamentos frustrados e preconceitos.Almejava ser atriz, até que foi descoberta por fotógrafos. A sua notável desinibição, acabou favorecendo uma preferência maior pelos profissionais de um gênero mais hard, de uma censura maior.

A fotografia em preto e branco (majoritariamente) situa bem o período do filme e dá todo um charme extra. As atuações também são bem conduzidas, com destaque para a protagonista (Gretchen Moll, sem muito destaque no Brasil), que vive Bettie com graça, leveza e verossimilhança, tendo em vista a quantidade incrível de material que a verdadeira deixou para os seus fãs póstumos.

Barrela

2007-09-30T17:53:00.000-07:00

Elitismo ou fatalidade, a verdade é que teatro de 1,00R$ não rende. O projeto do TCA de proporcionar cultura a todos por um valor simbólico é muito bonito, mas não atinge o público da forma esperada. Apenas na fileira atrás da minha; cadeiras foram chutadas; uma mulher amaldiçoou a peça no seu clímax (por não gostar de ver cenas fortes). Já tive a oportunidade de conferir outras montagens através do mesmo projeto (como o desastroso Mestre Haroldo, por exemplo) e o resultado foi ainda pior.
Barrela é uma peça densa, trágica e crua, que trata do esquecido submundo penitenciário baiano. Narra uma noite em uma cela qualquer da Lemos de Brito, onde detentos discutem sobre as suas pelejas pessoais e vivenciam a miséria cotidiana. Sem julgamentos ou amenizações das suas atitudes, a verdade é exibida de maneira verossímil e indigesta.
E é justamente aí que a coisa infelizmente não funciona bem. O público não possui maturidade suficiente para encarar a dramaticidade da coisa e acaba levando na graça. Talvez por euforia, despreparo, ou questões sociais mesmo.
Mas não é por causa de uma platéia aquém às pretensões da peça que esta deve ser desmerecida. A contextualização da obra é um elemento interessante: no pátio, atores vestidos como agentes penitenciários coagem e humilham as pessoas (que demoram em se dar conta de que tudo não passa de uma encenação), fazendo da espera uma espécie de preparação para a visita à cadeia. O recurso do vídeo no palco também se mostra muito eficaz para exibir vivências anteriores das personagens. O curto tempo de duração também ajuda, indo de encontro à moda do teatrão de duas horas, que fatiga qualquer um.
Barrela concorreu ao Braskem de 2006 e volta em cartaz durante o mês de outubro no Xisto Bahia. Com um público mais comprometido, é certo que o espetáculo será levado a sério, como merece.

A Geladeira

2007-09-27T06:24:00.000-07:00

Juntar um grupo grande. Reunir patrocínio e ter influência suficiente para que um lugar de prestígio ceda espaço para a sua exibição. Arranjar um roteiro, uma história sem sentido, que não proponha discussão de nada. Ganhar dinheiro com isso. Provavelmente foi essa a linha de raciocínio dos realizadores de A Geladeira, peça que lotou seções durante semanas no Vila Velha.
Um pastelão disfarçado de qualquer coisa inteligente, que tem como objetivo negar a arte por nada, causar estranhamento no espectador a troco de nada. A trama (que finge ser confusa, mas é apenas estúpida) gira em torno de uma mulher que encontra uma geladeira no meio da sala. Ao reclamar, é estuprada pelo empregado, recebe a visita da mãe e da psicóloga. Todos os atores em cena se revezam, interpretando as mesmas personagens, ao mesmo tempo.
Tudo isso é pretexto para a encenação do ridículo: gordas gozando, maquiagens toscas, velhinhas em gestos obscenos (como se isso fosse a coisa mais radical dos últimos tempos) e uma conversa com um rato. Um desafio aos limites da pseudo-intelectualidade.
O que percebe-se constantemente na cena atual é a cinematização do teatro. Todo mundo quer transcender, ser irreverente, chocar. Mas para isso tenta-se valer de uma linguagem que seria muito mais convincente na tela do cinema e não num palco, ao vivo na frente do público. Lamentável que essas duas artes se confundam tanto. E o novo, o transcendental, o experimental, soe apenas patético.

Tank Girl

2007-09-24T18:03:00.000-07:00

Bobo, tosco, mas divertido. Tank Girl é o retrato da rebeldia popstar noventista da mtv, o auge do cabelo branco e do batonzão vermelho (sim, Gwen Stefani virou um documento vivo das influências desse período). Baseado num quadrinho homônimo da mesma época, o filme de 95 se utiliza da própria linguagem para contextualizar o espectador e fazê-lo sempre lembrar que a obra não deve ser levada a sério- é entretenimento puro e despretensioso.
Num futuro caótico, onde o controle da água é ditado pelo cruel presidente de uma grande empresa (Malcolm Mcdowell já deve ser p.h.d em vilania estereotipada), grupos resistem a esse controle e vivem recolhidos em pequenas comunidades, roubando o líquido precioso. Num deles vive Rebecca, que tem a sua família destruída e é levada como prisioneira para os limites da fábrica. Explorada e humilhada, ela rebela-se, rouba um tanque de guerra e vira a Tank Girl do título.
A vingança Schwarzenegguiana surge daí. Todos os parentes dizimados e um único ser indefeso em questão a ser resgatado. A grande diferença (não tão grande, nos dias de hoje) está na conduta da personagem. Irônica, sádica, nonsense e bem-humorada, é uma reunião de indícios da cultura pop.
O humor e a ação às vezes soam um pouco vencidos, o que acaba tornando a obra cansativa perto do fim, mas vale como um precioso passatempo para quem curte catar certas referências. Não podem passar em branco as presenças de Naomi Watts novinha (uma desconhecida até então) coadjuvando direitinho; e Iggy Pop assustando como sempre!
Tank Girl pode não ser um primor de produção, estar um pouco datado e ser difícil de se encontrar. Mas é entretenimento certeiro com uma trilha sonora animadinha que situa bem a alma da época. Uma divertida sessão nostalgia.

Puppini Sisters

2007-09-19T20:57:00.000-07:00

Quer coisa mais cinematográfica que isso?

Não sou crítico musical. Mas elas merecem destaque por aqui. As Puppini Sisters (que não são irmãs) são uma das coisas mais originais lançadas em anos. A proposta é a seuginte: regravar músicas pop que marcaram a contemporaneidade, como I will survive, Hearth of glass e Wuthering Heights (e mais algumas não tão conhecidas mas apaixonantes, como Mr Sandman). O visual delas compõe a alma da coisa.
O segundo álbum sai agora em outubro, mas enquanto não vaza, disponibilizo o primeiro (2006). Quem reclamar de pirataira, que encomende na Amazon, porque não há a menor referência em lugar algum sobre o seu lançamento em Terra Pappagali.
Aproveitem!

1a. parte:

http://www.4shared.com/account/file.jspid=23991191&sId=J7pdQWh4tefLf76w
2a. parte: http://www.4shared.com/account/file.jspid=23991999&sId=v3OFgghzOiPBt2BV

Todas as cores do amor

2007-08-31T06:27:00.000-07:00

Todo mundo sabe que a Irlanda é um país da Europa. E ponto, as informações param por aí. Pouco se sabe além, inclusive sobre a sua produção cinematográfica. Justamente por esse motivo, deve-se conhecer Todas as cores do amor, um filme de 2003 que surpreendentemente existe em dvd nas locadoras.
Fazendo uma alusão ao título original- Goldfish Memory, o roteiro é centrado na suposta idéia de que os peixinhos dourados só possuem 3 segundos de memória, logo, tudo é novidade para ele, a toda hora. Com os humanos, acontece o mesmo, a cada paixão renovada. As dores anteriores se apagam, e só o que importa é o novo.
A partir dessa suposição (e de inúmeras referências ao tal peixinho), um numeroso e simpático elenco encarna com graça e simpatia as personagens do enredo, tornando diversidade a palavra-chave da história.
Um professor quarentão fútil leva a vida encantando as aluninhas; uma jornalista lésbica sonha com uma vida conjugal ao lado de um grande amor; o seu amigo gay amorosamente independente se apaixona (e é correspondido) por um heterossexual com problemas de relacionamento, e mais um bom punhado de personagens de apoio que vão ganhando importância ao longo do desenvolvimento.
Se a história, leve e engraçada (chegando a apelar para um pastelão desnecessário, às vezes) não chegar a seduzir tanto o espectador, vale pela aura e imagens incríveis de Dublin- uma cidade belíssima que aparentemente sabe respeitar as diferenças (esqueçamos por um momento os conflitos sócio-políticos que permeiam a sua história). A trilha sonora surpreende também- é toda marcada por bossas novas de Tom Jobim, cantadas num sotaque bizarro. Uma delícia.

veja o trailer:

2007-08-30T06:41:00.000-07:00

A especialização de um indivíduo numa profissão gerou o vestibular.

A necessidade de se passar no vestibular pra ser “alguém na vida” gerou indivíduos neuróticos.

A pressão em cima desses indivíduos para uma aprovação certeira no exame, gerou os cursinhos pré-vestibulares.

Os cursinhos geraram uma nova linhagem social, composta de seres imortais, acima do bem e do mal e de um charme inigualável: o professor de cursinho.
Os papas do vestibular sabem de tudo: todos os macetes, todas as manhas. Com eles, a aprovação é garantida. Um grupo seleto e quase fechado, que se repete e pouco varia nas inúmeras casas do ramo. É daí que surge a fama, o status de celebridades locais: todo mundo conhece, todo mundo gosta, todo mundo ama.

A irreverência e a originalidade ao quebrar os paradigmas da estrutura escolar e dar aulas ágeis em meio a baixarias e piadas que animavam o tempo do cafunga, (preconceituosas, na maioria das vezes, porque a ética inexiste) contribuem para esse sucesso. Além disso, escarnecem tudo: a educação, os alunos, os colegas, o mundo- porque fazer crítica social é muito cool- uma forma de enaltecer a si mesmos, os detentores do conhecimento, que sabem aplicar o assunto do alto da sua boçalidade ostensiva, exibindo os seus celulares caros, laptops- brinquedinhos eletrônicos de charlar.

A condição de destaque na frente da sala e a suposta maturidade despertam a mais profunda curiosidade guardada nas entranhas ginecológicas das alvoroçadas alunas, que dedicam as suas rotinas ao estudo e à arte do frete। Muitas delas são correspondidas pelos anciões (alguns ainda guardam resquícios da simpatia de outrora, é verdade) obcecados em demonstrar para si mesmos o quanto ainda podem ser machos viris.

Bestificados, os neuróticos assistem।Alguns se deixam levar pelo lado lúdico da coisa e sem muito senso crítico conseguem se divertir. Os que sobram, padecem. Fazem o que podem para aproveitar do que se aprende do show. Sabem que terão de vê-lo novamente se não conseguirem dar conta do recado. Esganam-se, gritam e acendem uma vela pro Expedito, pra ver se pelo menos rola de ser alguém na vida.

Sonhos de uma noite de verão

2007-08-21T09:01:00.000-07:00

Sonhos de uma noite de verão pode parecer mais uma obra entusiasmada sobre o orgulho negro e a discriminação étnica (tema um tanto malhado por aqui), mas não é. Pode assustar também os não tão fãs do teatro grandioso, colossal, com inúmeros artistas contracenando, mas não chega a tanto.

Com esses pré-conceitos iniciais vencidos, Sonhos... Faz-se uma surpresa agradável. Baseado na obra de Shakespeare de mesmo nome, a peça é uma adaptação espirituosa que mescla ritmos musicais populares com a fala rebuscada e dramática da obra original. Utiliza o mesmo cenário- o palco praticamente vazio- para contar duas histórias paralelas que se interligam: na Grécia Clássica, um grupo de pessoas comuns prepara-se para encenar uma tragédia para o rei e seres humanos e encantados desencontram-se amorosamente às vésperas de um casamento da aristocracia.

O problema da peça está justamente na escolha da atriz de destaque. Hérmia, que deveria ser uma personagem graciosa e/ou ao menos simpática, é encarnada por uma atriz fraquíssima, sem presença alguma de corpo ou voz (uma espécie de Mariana Ximenes dos palcos baianos), ficando ofuscada pela original e singular colega de palco, intérprete de Helena. O roteiro também parece ser um pouco confuso, pois não deixa claro as reais intenções do soberano e a sua relação com o acontecimento.

Mas aspectos positivos superam essas imperfeições.As oníricas fadas encantam pelo som e beleza das danças (numa possível e maluca alusão às dançarinas do Moulin Rouge- o que funciona muito bem). Os Pucks, indispensáveis para o desenvolvimento do enredo, roubam a cena por serem engraçados e absurdamente depravados, amorais. Seres sexuais, antes de tudo.

No entanto, o cansaço toma o espectador perto do final da montagem, pois perde-se muito tempo ao encenar na dramatização, a tragédia ensaiada pelas personagens ao longo da peça. Um roteiro mais enxuto encurtaria o tempo de duração da peça (duas horas), deixando-a com mais fluidez. Ainda assim Sonhos de uma noite de verão é uma boa atração em cartaz, para quem preza por um espetáculo interessante, muito bem ensaiado e de bom gosto.

2007-08-19T20:41:00.000-07:00

Aprendi na faculdade, que mesmo que seja muito ruim, devemos nos permitir ousar a escrever. Aqui vai a minha primeira crônica. Bem ou mal, mais pra mais ou mais pra menos... tá feita!

“Boa tar-de-pes-so-al. Des-cul-pe-in-ter-rom-per-o-si-lên-cio-da-via-gem-de-vocês! É que chegaram os novos chocolatinhos...” o 5º ou 6º vendedor adentra o ônibus me corroendo o resto de paciência. A rotina maçante que tem o transporte público como elemento indispensável, me exaspera e me dói.
Tudo começa com a espera. O arrocha/rap/gospel toca (pelo pirata) no ponto lotado que vai esvaziando à medida que os intermunicipais passam. Mas estudante sofre na veia, só entra no que aceita SalvadorCard. Uma hora ele chega. Ágil e prontamente o celular vai pro pinto, pra evitar que me levem num possível assalto. Sento-me na antepenúltima cadeira livre, na frente das crentes, que resenham (atribuindo juízo de valor, sempre) sobre a vida de uma terceira irmã, ausente no recinto, é claro. Fico sabendo que ela é casada, 2 filhos, batalhadora [“glória a Deus!”]. Aceita normalmente a traição do marido [“que Deus me livre!”], porque na bíblia diz que o esposo pode ter duas mulheres, não pode é ter relação com outro homem [“tá repreendido!”]. É bom poder ouvir a vida alheia, mas quando é facultativo o ato de ouvi-la clandestinamente, sem que me percebam. Troco de lugar.
Enquanto isso, os baleiros se revezam. O mesmo texto, uma entonação variante. A graça é criar uma voz original, irritante e de apelo comercial, o que parece funcionar. Alguns compram amendoim e balinha de gengibre, no entanto, a maioria finge não notar a existência ínfima deles (reparem nessa relação do pobre com o subalterno- por exemplo, o quanto alguns parecem gozar ao sentirem-se poderosos ao sacanearem morbidamente com o garçom irresponsável num boteco qualquer de um bairro qualquer). Olhares para o horizonte indicam um súbito ar superior de “Oh, porra! Eu tenho mais o que fazer!”
A viagem segue ao lado de uma escova de chocolate (classicíssima, lendo uma revista sobre concursos), a coisa parece calma. Mas em 5 minutos o enjôo bate. Tem coisa pior que chocolate-sem-cheiro-de-chocolate? É algo doce, extremamente doce, enjoativo, irritante- que não é chocolate.
Divago mentalmente sobre a indústria da estética e a maldita “boa aparência” cobrada em todos os lugares. Mas elas adoram e não reclama, 2,4,6,8... 8 fêmeas, com as sua escovas metodicamente aplicadas (algumas já desgastadas pela ação dos dias seguidos). Todas de janelinha fechada, pra não bagunçar as suas madeixas retas. O cheiro da amiga ao lado é realmente incomodo, me mudo para uma cadeira solo que vagou, começo a ler.
O cobrador que freta com a estudante de cabelinho miojo percebe a minha constante troca de assentos, mas volta logo ao seu joguinho pré-sexual costumeiro.Bate uma chuva fraca. Todo mundo fecha as suas janelas e quando o sol abre e esquenta, ninguém abre novamente, tornando um ônibus uma espécie de estufa móvel, uma cápsula de doenças (em potencial nas épocas mais frias).
O v3 Black da última geração passada, parcelado em 72 vezes do homem à frente toca, ele faz charme para que todos ouçam o quão legal é a música que chama e quando atende, berra. Esquece que celulares são providos de um microfone que permite uma audição confortável do outro falante na linha. Mas ele grita, fazendo todo mundo ouvir a sua conversa. Marca qualquer programação para o fim de semana, pergunta das novidades, conta as dele. E desliga finalmente.
Finalmente também, chego ao meu ponto de descida. Quase no fim de linha, depois de engarrafamentos em portas de escola e assistir ao show de infinitas figuras bizzaras, desço. Agradeço a Deus, Buda, Jeová, Chico Xavier e Mãe Menininha por ter chegado vivo. Me dói pensar que mais tarde tem mais, com o ônibus deliciosamente lotado. E eu, em pé.

Trainspotting

2007-08-08T19:53:00.000-07:00

Para ter uma liberdade maior de escrever sobre filmes diversos, lanço aqui a seção TARJA AMARELA, propondo a discussão de obras mais antigas, perdidas entre a poeira das estantes mais obscuras das locadoras...

Mark Renton é o anticristo. Mas também é o anticristo mais legal do cinema. Ele trapaceia, rouba e destrói os amigos, com uma amoralidade singular, banhada de questionamentos morais (!), críticos e filosóficos.
Interpretado por Ewan McGregor antes de se tornar propriamente um astro do cinema mundial, Renton é o protagonista de Trainspotting, um filme europeu de 96 baseado na obra homônima de Irvine Welsh, que se dispõe a narrar o submundo viciado da juventude de classe média escocesa. Ele e seus amigos recusam-se a viver uma vida de mediocridade consumista e encontram na heroína o escape de todas as obrigações sociais. Acompanhado a isso, vêm todos os pesares do vício: a chegada ao inferno, a recuperação, as recaídas. Tudo isso retratado com agilidade e um certo humor sombrio. Não de forma enfadonha, fantasiosa e pseudo-realista como um outro grande fenômeno da década de 90: Diário de um adolescente, com Leonardo DiCaprio.
Talvez por ser justamente de outro tempo, algumas coisas incomodem um pouco, como a escatologia exagerada em algumas cenas. A necessidade de chocar o espectador supera o bom senso (embora alguns consigam rir descontroladamente com a cena do lençol).
Cheio de metáforas e com uma trilha sonora marcada por eletrônicas substancialmente noventistas, o filme marcou a incrível parceria entre o diretor Danny Boyle e Ewan, que já presentearam o cinema com outras obras tão legais quanto esta (como Por uma vida menos ordinária, com Cameron Diaz).

Resta agora aguardar mais uma contribuição deles, com a esperada (e já lendária) seqüência baseada no segundo livro de Welsh. Intitulada Pornô, a continuação mostra Renton anos após a sua promissora fuga para o American Way of Life, aliado aos seus antigos amigos, lançando-se no ramo da produção do cinema de pornografia. Um dia sai.

As Trôxas: uma comédia deslavada

2007-08-02T20:21:00.000-07:00

Se há algo de bom em As Trôxas, é o florescimento das aspirações da peça, tramado pelos seus envolvidos. Uma “comédia de costumes, entremeada por sambas de roda compostos especialmente para a montagem, que focaliza as hipocrisias das relações humanas e usa como pano de fundo uma cidade fictícia do nordeste”.
Papo puro. As Trôxas é uma comédia ruim, digna de incorporar programas humorísticos da televisão aberta. Homens travestidos de mulher, fazendo caretas, manifestando cacoetes e o falar típico do sertanejo pobre, são as graças baratas a que se resumem a peça, como se os espectadores fossem meras crianças, que se contentam com o humor pastelão da torta-na-cara.

O cenário é simples e bonito, mas mal aproveitado. A distribuição dos atores é mal feita, colocando alguns tão no canto, que passam metade da história sem destaque algum. Destaque maior que obteriam se ao menos desenvolvessem boas atuações- com exceção do gordinho, por realmente encarnar a alma feminina e ser o portador da única piada risível de todo espetáculo.

Assusta pensar que todo um grupo de patrocinadores e colaboradores comprou essa idéia, a ponto de realizá-la e divulgá-la. Assusta pensar que para fazer sucesso na Bahia, o teatro deve ser descompromissado e descerebrado, como As Trôxas: uma comédia deslavada [de humor].

Rent

2007-08-02T18:49:00.000-07:00

O filme não é novidade nas locadoras. Mas como nem só de lançamentos vive o homem, senti necessidade de escrever sobre ele assim que terminei de ver.
Rent começa muito bem. Com um movimento de câmera interessante, os atores são apresentados e os créditos surgem. Mas já na metade da primeira música a coisa desanda. Os excessos da música pop americana começam e o filme perde a graça gradativamente.

Narra um ano na vida de amigos boêmios compromissados contra o sistema opressor, que se drogam são vítimas do HIV (na sua maioria) e cantam. Mas o erro primordial é justamente a musicalidade do filme. As canções são fraquíssimas: diálogos cantados ruins que não possuem a rima como prioridade, bases pobres. É preciso fazer justiça, algumas são interessantes (como o Tango Maureen, o solo de Rosario Dawnson e a gracinha na mesa do bar, La Vie Bohéme), mas não são suficientes para salvar o filme.

Além de tudo, é um musical de estereótipos: compõem o ciclo de personagens, O Roqueiro infectado, O Certinho, A Puta Viciada, A Sapata, A Promiscua, O Mano e O/A Travesti Aidético. Prega a liberdade de comportamentos, mas não propõe discussões mais profundas, não retira os paradigmas que envolvem esses tipos nos clichês habituais da sociedade. Estão todos ali, exercendo papéis “comuns”, esperados pela sua conduta errônea.

Baseado numa montagem da Broadway da década de 80, Rent, que se passa na mesma época, deveria emocionar por tratar da explosão da AIDS na América e falar da miséria humana, mas acaba se perdendo e adotando a cafonice característica do período com seriedade, aí já vira motivo de piada.

Auto da Gamela

2007-07-31T14:45:00.000-07:00

Diz o Aurélio: Gamela, vasilha de madeira ou de barro, com a forma de alguidar ou escudela grande, para lavagem e/ou para dar comida aos animais domésticos.
Diz um dos saltimbancos: “Auto é uma história dramática, todo mundo já sabe”.
O Auto da Gamela é homenagem pura. Baseado na obra homônima de dois escritores do sudoeste baiano da década de 80, é encenado pela Finos Trapos- companhia teatral baiana maciçamente integrada por conquistenses. A peça narra a história de sertanejos que concebem Francisco, uma alusão clara à história de Cristo. Para isso,utilizam-se da metalinguagem na forma de um grupo de teatro mambembe, como os tradicionais saltimbancos que se espalharam pelo nordeste, levando um pouco de cultura às regiões mais distantes.
Ao chegar num vilarejo, o grupo começa a encenar o tal Auto, alternando drama e comédia, transbordando poesia e lirismo, através das suas figuras mitológicas (destaque para a aparição da Nossa Senhora dos Verdes- brilhante). Ainda possui função social, denunciando a seca, a pobreza e consequentemente o descaso dos demais com o povo nordestino.
As boas surpresas não se resumem ao enredo e boas atuações. As músicas cantadas no espetáculo são de uma beleza singela, o palco é muito bem aproveitado, com um cenário ágil e multifacetado.
Ao fim da peça, a sensação é das melhores. É possível se emocionar e rir, com um produto de qualidade que não se prende aos paradigmas das montagens populares daqui. Se depender deles, o teatro baiano tem salvação.

The Painted Veil

2007-07-31T14:27:00.000-07:00

Malditos distribuidores cinematográficos brasileiros e seus títulos nefastos e marketeiros. Mais uma vítima foi feita ao estrear em solo nacional. The Painted Veil (que originalmente seria O Véu Pintado) de John Curran (diretor de Tentação), ganhou a horrorosa alcunha de Despertar de uma paixão, nomezinho abstrato e simplório, para atrair casais apaixonados e desavisados aos cinemas.
O filme, interpretado por Edward Norton e Naomi Watts- também produtores da obra- é sim um drama romântico. Mas deveria interessar o publico pela sua história intensa (baseada num livro que já rendeu algumas outras adaptações para o cinema) e não pelo nome.
Ambientado na China rural da década de 20 (o que rende imagens absurdamente belas na tela), o filme inicia-se com o infectologista Walter Fane iniciando uma viagem desagradável com a sua esposa Kitty. Descobre-se o motivo por meio de flashbacks que vão se intercalando com a jornada do casal: ela, uma dama enfadada da aristocracia britânica aceita o matrimônio com ele por conveniência. Partem então para a Xangai vítima do imperialismo, onde ele trabalha. Decepcionada com a expectativa do seu novo lar, Kitt comete adultério com um amigo da família (Liv Screiber, atualmente marido de Naomi). Ao descobrir a traição da mulher, Walter candidata-se como médico em um povoado remoto vítima de um surto de cólera e como vingança, faz com que ela o siga. A partir dessa viagem, as personagens vão aprendendo a conviver e superar as dificuldades humanas e pessoais.
As atuações são realmente viscerais e a dupla não se utiliza dos exageros de atuação corriqueiros nos dramas americanos nos para isso. Talvez por ser um tanto extenso, o filme se perde um pouco durante a narrativa, mas recupera o interesse do espectador e termina de maneira plena, embalado por uma canção francesa de umedecer (discretamente, claro) as retinas.
Dá até vergonha de entrar na sessão de “DESPERTAR DE UMA PAIXÃO”, mas que vale o ingresso, vale.